Surrealismo - Definición, Características, Técnicas Y Autores 2sne

El surrealismo en la pintura y la escultura. El surrealismo puede definirse como un modelo que busca generar cambios en obras conceptuales sin la necesidad de que éstas sean figurativas. Se desarrolla como una manera de poder olvidar la realidad –la realidad que el mundo atraviesa debido a la primera guerra mundial- y encontrar alguna forma de que el artista se encierre en sí mismo, en un impulso de lo psíquico y lo irracional. Surge como parte de las vanguardias que buscaban representar ideales diferentes a los academicistas, como lo son la belleza, el realismo, la iluminación, la composición, el equilibrio, el color; y llamar la atención del observador con imágenes irreales y, en muchos casos, abstractas. En el surrealismo el artista intenta centrarse únicamente en su inspiración, sin tratar de representar objetos, experiencias pasadas, cambios, etc. Su objetivo principal, es mostrar la realidad que otros no ven, aquella presente en el inconsciente o los sueños. Por esta misma razón, el surrealismo es uno de los estilos artísticos más difíciles de interpretar y comprender. Aquí, como en otras artes del surrealismo, también se presenta la inspiración a partir de los análisis psíquicos y la teoría de los sueños de Sigmund Freud. Además, como ya sabemos, el estilo de estas obras es similar al de las obras dadaístas, pero sin el carácter destructivo de dicho movimiento. El surrealismo fue en un principio un movimiento únicamente literario, pero se expandió a otras áreas progresivamente. Llegó a la pintura y la escultura una vez comenzó a aplicarse el automatismo. En 1925 se realizó la primera exposición surrealista, donde participaron íconos artísticos tales como Salvador Dalí, Joan Miró, René Magritte, Man Ray, André Massón y Picasso, entre otros. En la pintura. Formas de realizar arte surrealista: Forma figurativa: Surge como corriente en Europa, en Francia, teniendo como principal exponente al reconocido pintor Salvador Dalí. Esta forma permite al artista recrear objetos, situaciones y figuras a partir de su propia inspiración, sin la necesidad de encontrar coherencia o lógica que los relacione, mostrando la forma casi fotográfica de las figuras. En el caso de Salvador Dalí el estilo fue utilizado para envolver al observador y dirigirlo directo al interior de un mundo surreal, su mundo interior. Tras analizar las pinturas de este autor se logró afirmar que fue la única forma que halló para lidiar con la separación de su madre desde el momento de su nacimiento, representando en sus pinturas ese mundo interior que sólo él sabía cómo mostrar. Más que nada sus representaciones se basaban en experiencias atravesadas en sueños. Forma abstracta: Aquí tenemos a la técnica que más importancia tuvo al explotar este movimiento, el cual anteriormente no había tenido gran impacto en las áreas de la pintura y la escultura: el automatismo. Éste término se define como “Ausencia de intervención de agentes exteriores en el funcionamiento de un mecanismo o en el

desarrollo de un proceso”. Si aplicamos esto a la pintura, por ejemplo (porque también se ha utilizado en el arte de la literatura), obtendremos automatismo en las ideas y en las asociaciones de imágenes, de modo que éstas surgirán de forma rápida, espontánea, fluida, sin tener en cuenta para nada la coherencia y el sentido. El hombre se dejará de llevar por los impulsos del inconsciente y sus deseos. A continuación, veremos algunas de las características surrealistas que se presentan mayormente en las artes visuales surrealistas: -

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Adentrarse en los pensamientos más profundos del hombre para dejarlos libres de toda sujeción racional. Mezcla de objetos, sentimientos y conceptos que la razón mantiene separadas, permitiendo la aparición de asociaciones libres e inesperadas de imágenes de forma insólita o delirante. Se pretende que el espectador quede desorientado al apreciar una obra, separando los objetos de su significado tradicional. Una cosa u objeto puede interpretarse de diversas maneras. Se suma importancia a la destrucción, el misterio, las paradojas, lo absurdo, entre otras cosas. Variedad de obras donde se realizan críticas a la vida moderna. La imaginación se utiliza como lógica. La inspiración basada en pensamientos prohibidos y ocultos, llegando a utilizarse el sexo de manera impúdica. Técnicas que buscan la libertad de creación y olvidan la razón. Todo artista surrealista buscará la manera de desubicar al observador.

En las obras de este movimiento también es común observar las siguientes imágenes: -

Formas abstractas o figurativas que intenten plasmar la realidad más profunda del inconsciente humano y sus deseos. La animación de lo inanimado. El aislamiento de fragmentos anatómicos. Elementos incongruentes. Metamorfosis. Máquinas fantásticas. Relaciones entre desnudos y maquinaria. Evocación del caos. Representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. Realidades oníricas. Universos figurativos propios (como en el caso de Salvador Dalí).

Técnicas usadas: Cadáver exquisito: Fue una de las principales innovaciones del movimiento. Es una obra que se realiza de forma colectiva, comenzándola un artista y pasándosela a otro, que la continuará sin saber qué ha hecho el artista anterior, sucesivamente hasta acabar.

Soufflage: Esta técnica fue creada por Jimmy Earns y consiste en aspirar una pintura líquida para inspirar o revelar una imagen. Automatismo: Como se ha dicho anteriormente, es la liberación del pensamiento del hombre de toda coherencia y lógica, dando libre paso a la expresión del inconsciente o de los sueños. Collage: Consiste en ensamblar diversos elementos en un todo unificado. Caligrama: Es una frase, poema o palabra que se encuentra organizado de tal manera que se forma una imagen, la cual representa lo que las palabras dicen. Ahumado: El ahumado o fumage es una técnica donde las impresiones se realizan con humo sobre el papel o el lienzo. Cubomanía: En este método se utilizan recortes de imágenes en pequeños cuadros y ordenados al azar. Decalcomanía: Consiste en aplicar gouache negro sobre un papel, al cual luego se le apoyará otro encima para ejercer una ligera presión y se retirará antes de que se sequen. Principales exponentes de la pintura surrealista: Salvador Dalí (en la forma figurativa) Es reconocido como uno de los máximos representantes del surrealismo debido a la excentricidad de su arte y su impactante forma de ver la realidad. Se involucró en todas las áreas de la expresión artística, como el dibujo, la pintura, la escultura, la moda, etc. Aplicó el concepto de surrealismo a todo lo que creó. Una de sus más famosas frases y la que lo pone por encima de otros artistas de este movimiento es: “la diferencia entre yo y los surrealistas es que yo soy el surrealismo”. La vida de Salvador Dalí se vio marcada por el sufrimiento desde su nacimiento, llegando al mundo nueve meses después del fallecimiento de su hermano, al que con el tiempo llegó a parecerse en exceso -y de hecho poseía el mismo nombre-. Un día, cuando tenía cinco años, sus padres le dijeron que era la “reencarnación de su hermano”, situación que más tarde produciría en él una crisis de personalidad al creer que era una copia de su hermano muerto. En febrero de 1921 su madre murió a causa de cáncer de útero, cuando Dalí tenía 16 años. Él mismo diría más tarde que fue “el golpe más fuerte que he recibido en mi vida. La adoraba. No podía resignarme a la pérdida del ser con quien contaba para hacer invisibles las inevitables manchas de mi alma…”. Ambos acontecimientos de su infancia han intervenido indudablemente en sus obras dentro del movimiento surrealista, porque, como sabemos, esta forma de expresión trata principalmente de demostrar lo que oculta el inconsciente, aquello que puede verse reflejado en sueños. A continuación, algunas de sus obras más reconocidas:

La persistencia de la memoria. (1931)

Este mítico cuadro, a diferencia de lo que muchos creen, aproximadamente el tamaño de una hoja A4. En él se visualizan una criatura inerte sobre la arena (hay quienes ven un autorretrato del autor), y unos relojes que se derriten sobre ella. Al fondo, un simple paisaje marino. Dalí se inspiró para realizarlo, en primer lugar, en los quesos camembert (tiernos, extravagantes y solitarios) y, en segundo lugar, en la teoría de la relatividad de Einstein. Siempre fue un enamorado de la ciencia y siguió el trabajo del científico con curiosidad. Los relojes derritiéndose son un símbolo inconsciente de la relatividad del tiempo y el espacio. El gran masturbador. (1929)

En este óleo realizado sobre lienzo, cuyas dimensiones son 110 x 150 cm. Salvador Dalí expone lo que será por excelencia el símbolo de sus obsesiones sexuales. Esta pintura fue realizada a finales de 1929, tras pasar varios días con una mujer llamada Gala, la cuál se encontraba casada con el poeta Paul Éluard, quien, al regresar a París, había prescindido de la presencia de su conyugue. De tal modo, esta obra es de alguna forma una autobiografía, ya que la cabeza del gran masturbador es una de las personificaciones del propio artista, que aparece en la pintura protagonizando varias escenas simultáneas, como reflejo de la transformación anímica y erótica que Dalí acababa de experimentar a causa de la aparición de Gala en su vida. Por otro lado, en esta obra puede apreciarse un saltamontes succionando el cuerpo de la gran figura metamorfoseada. Dicho insecto ha aterrorizado a Dalí desde su infancia. La transformación de Narciso. (1937)

Joan Miró (en la forma abstracta o autómata): Joan Miró i Ferrá fue un pintor, escultor, grabador y ceramista nacido en Barcelona, en 1893. En sus obras refleja su interés por el subconsciente, lo infantil y la cultura y tradiciones de Cataluña. Su estilo comenzó siendo figurativo en su juventud, pero al alcanzar la madurez se centró en el arte abstracto, con formas estilizadas e imaginarias. Es una de las figuras, al igual que Dalí, más reconocidas de la vanguardia surrealista. Entre sus más grandes proyectos se encuentra la fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona. Ésta funciona como centro cultural y artístico donde se difunden las nuevas tendencias del arte contemporáneo. Algunas obras de este autor:

Bodegón del zapato viejo: Esta obra también es considerada el Guernica de Miró, pero, a diferencia de la obra de Picasso, en el Bodegón del zapato viejo no se representa una situación ni los horrores de la guerra civil española, sino que se muestran los sentimientos provocados a partir de ella. En el cuadro se observan objetos simples: una botella, un tenedor clavado en una manzana, un zapato y un trozo de pan. A pesar de la simplicidad de los objetos, podemos ir adquiriendo una visión apocalíptica de la imagen, donde se halla un paisaje alterado, en llamas, desgarrado. Es la imagen de un mundo enloquecido, donde se interpreta también la miseria humana en general.

El nacimiento del mundo:

Otros Artistas y obras: René Magritte. El hijo del hombre

Pablo Picasso. El Guernica

Max Ernst. Celebes

Frida Kahlo. Diego y yo

Referido a la escultura: Muchos pintores de este movimiento han realizado también esculturas, utilizando distintos materiales, como yeso, bronce, cuerdas, alambres, y chapas de metal, siguiendo siempre los principios del surrealismo respecto a los sueños y el inconsciente. Utilizaban distintos materiales sin relaciones entre sí, para unirlos y obtener como resultados obras incongruentes. A continuación, se muestran algunos autores y sus obras:

Salvador Dalí: Utiliza sucesos y ciertos aspectos de su infancia que aparecen también en sus pinturas, en formas de íconos emocionales. Además, su obsesión por el tiempo, su fascinación por la belleza y la figura femenina, entre otras cosas, son aspectos que se reflejan también en sus esculturas realizadas en bronce. La Danza del tiempo I (obra que cuenta con parte II y III)

Teléfono langosta

Object Surrealiste á Fonctionnement Symbolique

Max Ernst: Se inició en la escultura basada en la técnica de assamblage con mandera y alambre en respuesta a la crisis de la pintura que dadá establecía. Años después, inserto en el movimiento surrealista, realizó una serie de escayolas (Yeso calcinado que, mezclado con agua, se emplea como material de escultura). Lo que pretendía este artista era que la escultura compartiera con la pintura el carácter fortuito de elaboración, y definición de los personajes de naturaleza híbrida y fantástica que había obtenido mediante técnicas como el frotagge. La belle allemande (la bella alemana)

Sueños rose.

Joan Miró: Comenzó con su primera pieza en 1932, a base de objetos ensamblados, atribuyéndole al objeto en papel de generador de sentidos. Más tarde elabora piezas pequeñas de arcilla que luego traslada al bronce. En los años sesenta, el artista introdujo a sus esculturas el color, para distinguir e individualizar cada pieza inserta en la obra. Ha intervenido también en espacios públicos, con realizaciones de carácter monumental. El pájaro Lunar

Muchacha evadiéndose: