Pintura Norteamericana Los Años 70 1t663e

1. LA PINTURA NORTEAMERICANA DE LOS AÑOS 70 Enrique Barrera

Entre los años 1970 y 1978 estaba en proceso la creación de un nuevo modelo artístico a causa de la inconformidad social y el orden establecido sobre un contexto sociocultural, en donde los principales motivadores fueron los movimientos feministas. El compromiso del arte feminista es reflejar la conciencia política y social de las mujeres, desafiando ideologías patriarcales y prácticas artísticas de vanguardias, haciendo usos de las formas tradicionales del arte como el arte performance y arte del cuerpo y a la vez rechazando una cultura de galería, al momento planeando una propuesta que estuviera entrelazada con las artes populares, como reacción al arte intelectual y convencional de tradición minimalista y conceptual.

El arte feminista se convirtió en una generación de creadoras, en el cual se desarrolla un gusto estético en las artes plásticas, con el fin de liberarse de los métodos ortodoxos del sistema comercial del arte mediante esta disconformidad y cuestionamientos, Por tal se formaron diferentes rutas de creación que fueron la de la PatternPainting, defensora de procedimientos artesanales de la creación plástica; la de la BadPainting en la que intenta rescatar la figuración espontanea y extender una imagen pictórica situada en el filo de la abstracción y el realismo, y la de la New ImagePainting con su particular imaginería, mezclas de figuración, abstracción y concepto.

LA PATTER PAINTING

Una de las principales ideas fue el PATTERN PAINTING, Este planteamiento más conocido como PATTERN AND DECORATION “PYD”, esta nueva tendencia fue la defensora de un arte en el impulso decorativo, estaba ligado a las grandes producciones artesanales decorativas, en donde planteaba representaciones de imágenes realistas o simbólicas y partes anatómicas de la mujer, con un ideal de repetición, tenía en cuenta la armonía cromática y la variación de colores. Es importante aclarar la mezcla y combinación con las influencias del medio oriente tales como Islámicas, árabes, bizantinas, japonesas y chinas. Inicialmente tuvo su aprobación en las aulas de la universidad de san diego California, es ahí donde se comenzó la iniciativa y la lucha, compartiendo ideas de creación y retomando movimientos con conceptos artístico, sin embargo el trabajo de los decoradores fue en talleres, tiendas y fábricas abandonadas a causa de la poca participación económica que había. Uno de los objetivos el cual lo más importante sería poner en cuestionamiento los principales conceptos de artista como genio y lo que desde entonces se conocía como obra de arte, para identificar su trabajo como anonimato. Para llegar a un acuerdo sobre este movimiento artístico, reunidos en tertulias en la ciudad de Nueva York, se afirma llevando a cabo las opiniones sobre este arte, en donde inicialmente se inclinaron por la posibilidad que fuese integrado el realismo y la abstracción. Varios años después de la construcción, el grupo lleva a cabo un gran número de exposiciones con gran ayuda de ediciones de revistas como el ARTFORUM y críticos de arte como Max Kozloff, trabaja para que este estilo artístico de mestizaje se impusiese en el medio artístico neoyorquino ,lo más importante es que en ningún momento contaron con el favor ni de los críticos ni de los galeristas formalistas, a

pesar de todo estos llevaron a cabo un buen número de exposiciones, tanto en galerías privadas como en espacios alternativos e institucionales, gracias a unas de las ayudas recibidas por Holly Solomon Galleria del Soho, por los hermanos Holly y Horace Solomon. Los principales pintores en este estudio neoyorkino fueron R. Zakanith, Bard Davis, ValerieJaudon, Joyce Kozloff, Kim MacConell, Robert Kushner, Tony Robin y Miriam Shapiro en la que empezaron a trabajar en sistemas decorativos derivados a la repetición de patrones o modelos, bajo la influencia de las composiciones casi abstractas, formando serenidad, formal y armonía cromática del matisse “decorador” de las all over paintings de pollock ( este estilo de pintura se refiere a un lienzo cubierto de pintura de borde a borde y de esquina a esquina, en que cada área da la composición de la misma atención e importancia. Con una composición allover, se invita a los ojos a vagar por el lienzo desde la parte superior a la parte inferior, después de líneas, formas y colores). Considerada una de las más importantes lideresas del patrón decorativo de movimiento del arte fue Amy Golden, ella utiliza iconos que están asociados con las mujeres, tales como corazones, decoraciones florales, motivos geométricos y el color rosa. Tras realizar obras con botones, hilos, sedas, y lanas, en la que se apropia de técnicas cubistas y dadaístas del collage, los objetivos que expuso de la PatternPainting fueron la revalorización del arte anónimo y artesanal por lo común asociado a los colectivos femeninos, la reivindicación del discurso feminista como arma política para denunciar el machismo latente en las prácticas artísticas, rechazaba los grandes nombres y teorías de la historia de la modernidad y también de la cultura de museo, la recuperación de una vía creativa que parecía extinguida en el arte norteamericano, conectar una vía lúdica con la tradición del ensamblaje funk siendo un técnica hermana del collage ( utilizando la

yuxtaposición no jerarquizadas de superficies pintadas y objetos ensamblados en un mismo soporte) Con el movimiento P & D llega con John Perreault en 1979 a Europa, gracias este defensor entusiasta organizo en el PalaisBeaux-arts de Bruselas la exposición PatterningPainting con la presencia de representantes de esta tendencias, en la que J. Perreault define la PatternPainting como una extraña mescla de la pintura allover de J. Pollock y de la pintura relacional de Picasso. Robert Zakanitch gran pintor y uno de los fundadores del P & D en la que Su obra forma parte de la colección del Museo de Arte de Filadelfia, el Museo de Arte Moderno y el Museo Whitney de Arte Americano. En donde Tenía repertorios ornamentales inspirados en motivos florales de cromatismo chillón que el artista “plasma” en sus abstracciones.

Gran Bungalow Suite I. Robert Zakanitch 1990-1993 Acrílico sobre lienzo, 11 x 30 pies.

Una de las principales artistas de este movimiento fue Mirian Schapiro, quien utiliza elementos como las lanas los algodones los hilos y las sedas, definiendo que las mujeres

se valen de la repetición y de la seriación apropiándose del collage dado ya en el cubismo, utilizando el fotomontaje desarrollando una visión autobiográfica de su realidad.

Yo y maría cassat Mirian Schapiro 1976 Derechos reservados El arte ultimo del siglo 20(Ana María Guash)

Joyce Kosloff, fue uno de los originales del movimiento P &D, siendo artista a principios de la década de 1970 encargada de “los movimientos de arte feministas”. Ha participado activamente en los movimientos de mujeres y de paz en su vida y un miembro fundador de la Herejías colectiva (revista feminista de Nueva York en la que Cubría tema feminista incluyéndola teoría feminista, el arte , la política , los patrones de comunicación, el arte lésbico, artes tradicionales de las mujeres y la política de la estética, la mujer y la violencia, las mujeres que trabajan juntos, las mujeres del tercer mundo, las mujeres y la música, el sexo, el cine, activismo , el racismo).inspirándose

en los frisos, recordando la arquitectura colonial mexicana e islámica, enfrentándose al arte purista de la cultura machista.

Un interior decorado Joyce koslof Mindmuseum (Charlotte Carolina del norte) 1980 derechos reservados

pintor y grabador estadounidense precursor de la pintura abstracta

sin ilusiones pictóricasFrank Stella, en la que sus referencias psicológicas o metafísicas de pintura del siglo veinte, utilizaba la repetición de patrones o modelos decorativos, criticando la forma de hacer bosquejos antes de crear una pintura y encontrarse más afín con la espontaneidad, ligando la pintura en franjas negras a líneas de lienzo sin pintar, y utilizando la pintura de cobre y aluminio con la misma situación del color negro.

Tiburón Frank Stella 1991 VEGAP Madrid-España El arte ultimo del siglo 20(Ana María Guasch)

LA BADPAINTING Es un movimiento artístico neo expresionista, que surge como reacción ante el buen gusto y el buen arte, apuntando a una crítica en contra de la comercialización del arte, recogiendo artistas del pasado, como Picasso, y romper el esquema de movimiento artístico purista. La bad painting es una pintura de representación de objetos identificables, mediante imágenes reconocibles bien sea distorsionándoles o bien sea procurando la verosimilitud de alguna forma.

La BadPainting se destacó por la recuperación de la figura espontanea en la que buscaba dar poca importancia y un ambiente de mal gusto. Trabajos procedentes fueron el concepto de la relación del hombre con el objeto, en un modo estético de relación con el ambiente, colocando en juicio lo que se determina como “bien” o “mal” arte, este estilo llamado kitsch se denomina una como una palabra alemana que significa cursi o del mal gusto y se identifico a través de una gran exposición realizada por el grupo de imaginistas de chicago “Chicago Imaginism o The Hairy Who”, cuyos cabe destacar a Ivan Albriht, Gladys Nilsson, James Nutt Y H.C. Westerman. “Se trata de un trabajo figurativo que desafía tanto deliberadamente por virtual desinterés los cánones clásicos de buen gusto, representación ilusionista e interpretación” afirmaba Marcia Tucker. La mayor impulsora fue la gran crítica de arte M. Tucker quien decía. “Los artistas dibujaban de una manera grotesca utilizando bastante las figuras desnudas y sensuales, muchas de sus representaciones se daban en grafitis y en los carteles callejeros”. En la que no suponía un movimiento unidireccional, considerando lo Que está compuesto de elementos, opiniones, estilos, especialmente de modelos, y utilizando el uso de materiales heterogéneos como valores artísticos. A propósito, y en definitiva la reivindicación de la fealdad, fue el intento de superar los tabúes y renovar los intereses y los valores asociados tradicionalmente al arte contemporáneo. Entre tanto, en renovación de este estilo artístico, los defensores de la Bad Painting se no dieron cuenta que no se dirigían hacia adelante sino hacia atrás, por tal algunas la llamaron una tendencia retrograda.

Las obras presentes reflejaron la poca importancia de lo cotidiano y con abundantes referentes sexuales, en lo que llego a los ojos de los espectadores, dando a conocer una crítica en la que se decía que eran propuestas inacabadas, propia de una exposición de fin de curso de alumnos de escuela de arte, que de artistas profesionales. Peter Plagens es un americano crítico de arte, pintor y novelista, que publica en un artículo de la The Academy Of The Bad una reflexión general sobre la Bad en la que define “el dibujo mal hecho, los colores estridentes y no académicos a una imaginería falta de buen gusto a un oficio defectuosos próximo a la estética del desperdicio” y tras establecer su definición de buena y mala pintura en la que dijo : buena pintura son las composiciones equilibradas pinceladas ligeras, colores atemperados y limitaciones humanas, y para la mala pintura se resumiría en composiciones inertes, colores chillones, pinceladas

indiferentes o fuera de control.

Partito Comunista Peter Plagens Los Appleknockers (2008) Técnica mixta sobre lienzo

Los artistas más destacados del BadPainting fueron Wilgman Wegman y Neil Jenney, quienes critican la banalidad, recogen la soledad y la destrucción del entorno en el que se encuentran, mostrando así un tipo de performance en el que eludían cualquier forma de figuración pictórica bella y utilizando la abstracción figurativa. W. Wegman es uno de los participes mas importantes que sobresalen en la Bad Painting en la que con sus videos, dibujos y fotografías de escenas grotescas y cómicas protagonizada por sus perros, hace un estudio de las poses y conductas antropomorfas que provocaba una reflexión irónica sobre la soledad el aburrimiento y la muerte.

FOTOGRAFIAS

https://www.youtube.com/watch?v=mxsypEOXpik

Neil Jenney recupera el realismo tras renunciar a sus intereses pos minimalistas, integra imágenes figúrales de amplios, violentos y de poco cuidado trazos llegando a casi garabatos con lo que constituye “psudopaisajes abstractos” alusivos al a destrucción del entorno

NEIL Jenney cepillado y Broomed, 1969 acrílico y grafito sobre lienzo con marco de madera pintado a 54-1 / 2 x 52-1 / 2 pulgadas (138,4 x 133.4cm)

LA NEW IMAGE PAINTING Paralelo a la Pattern Painting y la bad Painting se inicio una nueva corriente artística figurativa dentro de lo que se puede llamar la “alta cultura neoyorkina” , se consolido un año después como una de las ultimas apuestas a la modernidad pictórica, la consolidación del término La New Image Painting, en el Whitney Museum of American, presento el resurgimiento de una pintura que recuperaba algunos aspectos del expresionismo abstracto del primer pop, gracias a las aportaciones que daba Jasper Johns y Jim Dine sin renunciar a los conceptos de radicalidad y modernidad propio del arte minimal. Richard Marshall fue el responsable de la exposición New Image Painting que se presento en el Whitney Museum of American art de Nueva York , en donde selecciono a unos artistas tales como : Nicholas Africano, Robert Moskowitz, Susan Rothenberg, David True y Joe Zucker, los que compartían el gusto por la imaginería abstracta figurativa, en la que querían demostrar que la pintura todavía era posible el progreso que derivaba el reconocimiento de los aspectos artesanales y sensuales de las prácticas artísticas. Tal muestra tuvo una beneficiosa aceptación por parte de las críticas, tanto que Barbara Rose, esposa de Frank Stella, historiadora y critica del arte define “el contexto de los Psicodélicos de los años sesenta con la posguerra de Vietnam, parecía como la pintura hubiera quedado encogida y disminuida si se la comparaba con lo que estaba sucediendo fuera del estudio”

B. Rose se encargo de hacer una exposición, que pretendió convertirse en la nueva exploración del arte de los ochenta y en defensa del hecho pictórico, en la que conjunto de treinta y nueve artistas seleccionados, puesto que lo que los unía a todos ellos era la imagen presentadora de elementos metafóricos y metafísicos, y la recuperación del carácter sensual y táctil de la superficie pictórica y el concepto de espacio no-relacional en el que se anulan las relaciones figura y fondo.

Para B. Rose los antecedentes de esta pintura, era figurativa pero no ilusionista, en la que las imágenes quedan visualmente incrustadas en campos de cuya superficie no son sino una emanación. En la que se veía en las sobras tardías de Philip Guston, que trabajo una figuración entendida como (agregado de impurezas) y en lo que solía repetir “estoy harto y cansado de tanta pureza” Con todo la exposición resulto en si un interés al a reflexión que responsabilizo de progresiva desaparición de la pintura al reduccionismo formalista de las tendencias puritanamente abstractas y literalitas de los años sesenta que se habían convertido el arte en un objeto mudo mas cercano a la idea que a su materialización, estas tendencias surgieron en parte de una lectura superficial de la lección de los expresionistas abstractos y sobre todo la de J. Pollock “como realizador de acciones en lugar de critico contemplativo de su propia obra y seguidor de los grandes maestros” esto propicio que los artistas jóvenes abandonasen a los Happenings, sin entender la verdadera naturaleza del uso del dripping, esto es, el goteo de la pintura como técnica. Artistas absolutistas como B. Newman, M Rothko y A. Reinhrdt , fueron responsables de la muerte de la Pintura de acción, “ACTION PAINTING” técnica pictórica que Intenta expresar mediante el color y la materia del cuadro,

sensaciones tales como el movimiento, la velocidad, la energía. Según B. Rose “los artistas actuales se sienten muy a gusto con toda una serie de posibilidades figurativas que derivan no ya de la configuración cubista, sino de la continuidad de la imagen con la superficie establecida por C. Still, M Rothko, B. Newman Y A. reinhardt, quienes incrustaron, por asi decirlo, la figura en el lienzo, a fin de conseguir que la figura y su campo fueran equivalentes e igualmente extensos”

SUSAN ROTHENBERG Artista de mayor prestigio critico y reconocimiento internacional, surgido de las filas del minimalismo, trabaja con campos abstractos y espacios monocromos que buscan la confrontación visual y que resuelve con una densa masa pictórica y un único y simple motivo figurado. Su exposición consta de tres pinturas de gran formato de los caballos entendido como una prolongación de su propio yo, en realidad, como un autorretrato psicológico, hasta principio de los años ochenta trabaja con siluetas de caballos. S. Rothenberg abandona el motivo del caballo en interés de las figuraciones humanas, desafiando visualmente las leyes de la perspectiva y de la gravedad, en superficies, si cabe, de materia y color más vibrantes.

Susan Rothenberg "Dominos-caliente", 2001-2002 Óleo sobre lienzo, 73 x 75 cm © 2005 Susan Rothenberg / Artistas Derechos Sociedad (ARS), Nueva York Cortesía Sperone Westwater, Nueva York

NICHOLAS AFRICANO Utiliza campos monocromos de color, figuras en miniatura perfectamente siluetadas con las que enfatiza la dimensión narrativa de la pintura, Utilizando la técnica de la cera perdida, principalmente reservado para bronce, Africano emite sus esculturas de vidrio de escala íntima (aproximadamente 24 pulgadas de altura) hasta la escala completa, figuras de tamaño natural. Trabaja en vidrio blanco u opalescente, así como en vidrio de color, el frío es una forma de trabajar la escultura o tallando en vidrio y trabajándolo con pintura de esmalte para darle vida a ellos, desafiando la dura superficie del material, convirtiendo las cifras en suave, seres sintientes.

Topaz Girl, 2014, vidrio fundido, 20 1/4 x 5 1/2 x 5 pulgadas

JENNIFER BARTLETT Pintora que hace análisis riguroso del lenguaje de la pintura, que descompone en una serie de elementos básicos: el tema (casa, árbol, montaña, océano), la forma: (el circulo, cuadrado, rectángulo), el color y el tamaño (pequeño, mediano, grande). El misterio de su materia no idealizada, como casas, estatuas y paisajes extrañamente familiares, invitan al espectador a una narrativa difícil de alcanzar. En las horas punta y agitados, y otros de calma y meditación, Bartlett se refiere constantemente a la red, al igual que con los delicados tejidos en su más reciente cuerpo de trabajo. Siguiendo el método de trabajo del minimalismo y, en particular, de los sistemas aleatorios de S. LeWintt. Resulta de la combinación de una seria de unidades modulares, en este caso 988 laminas, que combinan hasta compone runa obra de síntesis a partir de los citados elementos constitutivos de la pintura.

Elementos: Fuego 4, 1990 Pastel sobre papel 31 1/2 x 31 1/2 pulgadas 80 x 80 cm

ROBERT MOSKOWITZ Moskowitz primero recibió reconocimiento de la crítica en la década de 1960, por sus obras con un sabor surrealista idiosincrásico. Incorpora a su pintura, la negación absoluta de la supuesta profundidad que se produce en la confrontación entre la figura y el campo, lo que denomina imágenes de idea “siempre hay una imagen que se presenta. Quizá no se exactamente lo que signifique, pero se podría decir que la imagen es la idea” imágenes aisladas que recuerden edificios, paisajes e iconos culturales.

Rascacielos, 1995 Pastel sobre papel 25 1/2 x 19 1/2 pulgadas