Análisis Película "las Uvas De La Ira" 425r53

LAS UVAS DE LA IRA Titulo original: The Grapes of Wrath Director: John Ford (1874-1973) País: Estados Unidos 1939 Idioma: Ingles Género: Drama Duración: 123 minutos Guión: Nunnally Johnson, basado en la novela de John Steinbeck Sonido: George Leverett, Roger Herman Montaje de efectos de sonido: Robert Parrish Música: Alfred Newman Going Down The Road, Feeling Bad BSO: Red River Valley (anónima, cantada por Henry Fonda)

Montaje: Robert Simpson Dirección de fotografía: Gregg Toland Color: B/N Productor: Darryl F. Zanuck Compañía cinematográfica: 20th Century Fox

Reparto: Henry Fonda (Tom Joad) Jane Darwell (Mr. Joad) John Carradine (Casy) Charley Grapewin ( Grampa Joad) Dorris Bowdon(Rosaharn) Russell Simpson (Pa Joad) Ward Bond (Policía) John Qualen ( Muley) Connie Rivers (Eddie Quillan) Premios: 1940 2 Oscars, 7 nominaciones Mejor director y actriz secundaria, Jane Darwell. 1940: National Board of Review Mejor película 1940: Círculo de críticos de Nueva York Mejor película y director 1940: Pulitzer

La película se encuadra dentro del periodo que Nöel Burch denomina Modos de Representación Institucional (MRI).

FICHA TÉCNICA

SIPNOSIS "Las uvas de la ira" es una película ambientada en la década de los años treinta, tras sufrir Estados Unidos la crisis económica a consecuencia de la caída de la bolsa en el año 1929. Describe, a través de la familia Joad, el drama de la emigración de miles de campesinos debido a la extorsión que sufren por parte de los bancos y los patronos capitalistas, al ser expulsados de sus tierras o obligados a abandonarlas debido a la miseria y a las pésimas condiciones en que se han convertido las tierras de Oklahoma y Texas, emprendiendo un arduo camino en busca de la tierra prometida "California". INTRODUCCIÓN 1

El director estadounidense John Ford recibió el encargo de hacer una película basada en la novela homónima "Las uvas de la ira" del escritor John Steinbeck. En el año de 1939, fecha de su publicación, se considero un libro polémico debido a la fuerte denuncia social y política que reflejaba. Ford quiso plasmar, en su adaptación cinematográfica esa realidad social con la máxima objetividad y veracidad posible. Para entender el contexto social de esta película, primero hago un breve resumen de los acontecimientos sucedidos en el año 1929 en EEUU, que provocaron la crisis financiera que hizo tambalear la estabilidad de los mercados a nivel mundial conocida como la Gran Depresión. A continuación, paso a la explicar la transición del cine mudo al sonoro, y seguidamente analizo algunas técnicas cinematográficas que reconozco en la película, para acabar con una conclusión personal al respecto. CONTEXTO HISTÓRICO Después de la Primera Guerra Mundial, los países europeos que participaron en la contienda, quedaron destrozados por el desgaste físico, material y económico de la guerra, generando una situación de tensión entre las diferentes potencias que derivo en una serie de conflictos sociales. Sin embargo los EEUU, durante la guerra, consolidaron su hegemonía y situación como primera potencia económica mundial, factor que propició el rápido desarrollo de la prosperidad americana. Con el propósito de que Europa se recuperase del desgaste bélico, EEUU se convirtió en el mayor prestamista y en el gran proveedor de materias primas y productos alimenticios e industriales. Aprovechando la creciente exportación de productos a Europa, los campesinos americanos (farmers) se endeudaban para alquilar o comprar más tierra y de esta manera aumentar su capacidad productiva. Pero lo que no contaba el mercado norteamericano era con la rápida recuperación del mercado europeo que empezó a sustituir las importaciones por sus propios productos. Finalmente en el año 1929 la bolsa se desplomó (también conocido como el crack del 29) y a partir de entonces se fue agravando cada vez más la crisis económica americana, que repercutió en todos los sectores del país. Los precios cayeron, el mercado agrícola se hundió, y la bonanza económica se transformó en pobreza arrastrando a los pequeños agricultores que muchos fueron expulsados de sus tierras y otros se vieron obligados a emigrar hacia otro estado en busca de trabajo. DEL CINE MUDO AL CINE SONORO A principio de los años 30, el cine mudo se había convertido en un arte, el lenguaje de las sombras y claroscuros, la fotografía, la expresividad silenciosa, el montaje, etc. habían alcanzado un gran refinamiento estético. Con la llegada del cine sonoro, las películas mudas quedaron relegadas a un lugar en la historia de la cinematografía. El cine sonoro había incorporado una nueva forma de expresión y con ella ciertas reticencias a aplicarlo a las películas por parte de los directores cinematográficos, que afirmaban que se perdía creatividad y ritmo. Muchos de los directores del cine mudo fueron reemplazados por directores teatrales buscando otras formas de expresividad, se buscaron nuevos artistas ya que los que había no conseguían ajustar su dicción al nuevo cine, la imagen con el sonido no tenía una buena sincronización, las salas no estaban adaptadas, etc. Todo ello produjo una restructuración industrial, técnica y económica y la aparición de nuevos géneros cinematográficos, como el musical. En la transición y adaptación del sonido, era conocida la competencia entre las compañías cinematográficas para adaptar la industria de producción a la nueva tecnología. El mercado americano estaba monopolizado por las conocidas como las Cinco Grandes 1 o majors. En el año que se rodó "Las uvas de la ira" la compañía 1 Paramount, MetroGoldwyn-Mayer (antes Loew’s),20th Century Fox, Warner Bros, que sólo se contabilizó entre las cinco grandes cuando, a finales de los veinte, comienza a apostar por el cine sonoro y RKO (Radio-Keith-Orpheum). [https://es.wikipedia.org/wiki/Sistema_de_estudios (consulta 16/11/15)]

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cinematográfica 20 th Century Fox 2, al frente de los presidentes de Joseph Schenck y Daryl F. Zanuck, supieron aprovechar el advenimiento del sonido para darle una nueva proyección a la sociedad y en 1927 estrenaron el primer noticiario sonoro 3 . Pocos años después contrataron los servicios del productor Nunnally Johnson que aplicó la nueva innovación tecnológica a sus películas: "Slave Ship", "The country Doctor" y " The grapes of Wrath " (Las uvas de la ira), etc., logrando una reconocida reputación y grandes beneficios económicos para la compañía. John Ford John Martin Feeney (1872-1973), conocido como John Ford, empezó en el mundo de la publicidad, y dio el salto al cine de la mano de su hermano Francis, por aquel entonces un reconocido actor, guionista y director. Su primera película muda, "The Tornado" (1917), clasificada dentro del MRP y cuya duración era de 30 minutos, la realizó para la Universal Film Manufacturing Company. Como la mayoría de los directores de su época, John Ford también acusó la crisis económica de la transición y decidió cambiar a los estudios Fox y adaptarse a las nuevas reglas que imponía el cine sonoro y la nueva compañía, que ya había conseguido situarse entre las tres primeras más influyentes. ANÁLISIS DE LAS TÉCNICAS CINEMATOGRÁFICAS Plano Comienza "Las uvas de la ira" con un plano panorámico del desierto de Oklahoma, donde el personaje de Tom Joad, interpretado por Henry Fonda se acerca lentamente desde la lejanía. Este plano al comienzo de la película es muy significativo, Ford recrea la escena durante 22 segundos con el objetivo de que el espectador se ambiente en la película y sea consciente de la miseria y pobreza de la zona. Para dar mayor verosimilitud a la escena y enaltecer el espacio, utilizaba la profundidad de campo y los planos generales. Con este procedimiento de montaje Ford buscaba la sensación de lentitud tal como se observa al principio de la película con la llegada de Tom Joad (Henry Fonda), o el viaje en la camioneta. La lentitud del vehículo produce en el espectador una sensación de angustia pensando en que en cualquier momento iba a dejar tirada a la familia en la carretera, cosa que no llega a ocurrir. En cuanto a los primeros planos de los personajes, no es la cámara la que se mueve, sino que son los propios personajes los que se acercan o alejan. Ritmo El ritmo de la película es lento, los encadenamientos de los sucesos suceden progresivamente y el espectador adivina lo que va a pasar en todo momento. A este ritmo ralentizado ayuda la tenue iluminación y los diálogos, una lentitud calculada que sólo se interrumpe alguna vez con las risas de los niños protagonistas. Movimiento de la cámara (travelling) John Ford sabia la importancia de captar la realidad de esta película de la manera más fiel posible. Para ello se sirvió del travelling en todas sus vertientes, (subjetivo, objetivo, lateral, circular, de retroceso, etc. ) con el fin de que la cámara filmara los movimientos a la velocidad que más interesara en cada momento. Por ejemplo, en la escena cuando el camión de la familia Joad entra en un campamento lleno de campesinos, el 2 20 th Century Fox, es el resultado en 1935 de la fusión de Fox Film Corporation (que estuvo a punto de quebrar a principios de de los años 30) con 20 th Century (98

3 Charles Lindbergh en1927 se convirtió en el primer piloto en cruzar el océano Atlántico uniendo el continente americano y el continente europeo

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espectador no ve en ese momento como entra el vehículo, sino que en realidad está viajando dentro de él (travelling subjetivo). Un travelling de aproximación lo encontramos en el primer plano del comienzo de la película, el protagonista a lo lejos de la carretera camina en solitario, es la cámara la que se acerca lentamente al personaje sin desenfocar el fondo con la intención de no obviar ningún detalle. Tiempo La película que tiene una duración de poco más de dos horas y se organiza en una narrativa lineal, cuenta las vicisitudes de la familia Joad en su camino hacia el éxodo. Al principio de la película, se utiliza la técnica del flashback, para alterar cronológicamente los acontecimientos por medio del diálogo entre los tres protagonistas, Tom Joad (Fonda), Casy (Carradine) y Muley (Qualen), éste último les cuenta como los banqueros los han echado des sus casas, encadenando secuencias entre el presente y el pasado, para desarrollar más profundamente el carácter de la narrativa. Fotografía A diferencia de las mayorías de películas de la época que jugaban con la escala de grises, Ford prefería la predominación de la tonalidad negra, con la intención simbólica de reflejar el mundo sombrío y miserable de los campesinos. Sin embargo utilizaba una iluminación de claroscuros para conseguir una gran carga emocional, cuando aparecen en escena los personajes que representan el capitalismo, la tonalidad del entorno está muy iluminada, con la intención de demostrar la superioridad y desigualdad social entre ambos bandos. Narrativa La narrativa de la película es lineal, el discurso sigue el orden de la historia y sólo al principio traslada puntualmente la acción al pasado. Refleja claramente el periodo de los años treinta de la Gran Depresión, describiendo la amarga realidad del panorama socioeconómico norteamericano. Sin embargo, no hay ningún elemento (reloj, calendario, periódico, clima, vestuario, etc.) que refleje la evolución del tiempo en que transcurre la acción de la película que podría ser de un mes, o un año. Estética documental "Las uvas de la ira" es el fiel reflejo de la realidad que afectó a gran parte de la población americana, una situación de pobreza y desolación. Unas condiciones sociales crueles e inhumanas que tanto el director Ford, como el encargado del montaje final Robert Simpson, pusieron todo su empeño en reflejarlas como denuncia político-económico-social, en contra del capitalismo y la codicia que lo envuelve. Se puede observar, que en toda la película no hay ninguna fotografía agradable, tampoco en el entorno, ni en el vestuario ni en las casas, todo es sombrío y triste. Personajes e interpretación Ford sabia que la fotogenia de los movimientos en los personajes era un factor decisivo para la creación fílmica, así como las imágenes silenciosas -recordemos que es herencia del cine mudo-, por ello quería que sus intérpretes dominaran la escena con una gran contención interpretativa para poder recrear la realidad con las mínimas palabras. De igual forma, quería que toda la carga escénica se trasmitiera a través de la mirada de los personajes, por eso encontramos numerosos primeros planos. Con su conocida capacidad narrativa, Ford escogió con mucho cuidado los protagonistas. Buscaba la complicidad del espectador a favor de las capas más débiles. Introdujo signos visuales y simbólicos en sus personajes: un ex convicto, un anciano, un ex predicador, una embarazada, dos niños, etc. 4

Toda carga emocional de la película, recae en la madre como fuerza de unidad familiar, una figura llena de cariño, pero incapaz de demostrarlo, incluso en los momentos de mayor desolación. Magnífica la primera escena de Jane Darwell (Mr. Joad), cuando ve a su hijo después de siete años, no ocurre lo que espera el espectador, sino que todo el cariño del mundo que siente en ese momento al encontrarse con su hijo se demuestra con un lenguaje visual, el esperado abrazo se limita a un simple roce en la solapa del traje, es una escena con un realismo impresionante, heredara del cine mudo. Igualmente, y llena de un significado implícito, es la final en la que se despide de su hijo a sabiendas que no lo volverá a ver. La película deja un final abierto a cualquier interpretación. Pero se evidencia la conciencia social que el director quiere que transmita la película, a través del sufrimiento y penurias de sus personajes. Sin embargo, el final de la película no es tan dramático como el final que narra la novela de John Steinbeck. Sonido y música Ford, que ya había dejado atrás la expresividad del cine mudo, ahora buscaba que el sonido de las imágenes, fuera similar a un lenguaje poético. Es decir una reinvención estética del cine añadiendo nuevas expresiones de la naturaleza (ruido de agua, de pájaros, gemidos, portazos, etc.). El reparto de la película se acompaña de la música de Alfred Newman que está basada en una canción anónima popular americana, "Red River Valley". El sentimentalismo de la melodía - propio de las películas de la época de Hollywood- consigue una introducción triste indicativa de la temática de la película. La nostalgia y ternura que produce la melodía se contrarresta durante la película con una banda sonora alternativa de Hanns Eisler, para diferenciar en este caso la esperanza del éxodo. Durante la película utiliza la música de "Red River Valley" en las secuencias tristes, cuando abandonan la casa, cuando emprenden el viaje, cuando se muere el abuelo, etc. Para reflejar aún más la melancolía, hay una sola escena (en el baile) donde el propio Henry Fonda canta la canción, en contraposición a la que canta Eddie Quillan "Going Down",cuando llegan al primer campamento, demostrando esperanza. La película tiene una gran carga de imágenes visuales, que dan la misma información que el sonido. Los diálogos son lentos, no hay expresiones externas de diversión relacionadas con alegría o felicidad, a excepción de las risas infantiles de los niños protagonistas y la secuencia del baile,- tema recurrente en las películas de Ford- donde a través de un ritual compartido se demuestra el único momento privilegiado de la vida de los más desamparados, en este caso los campesinos. CONCLUSIÓN La película me ha sorprendido gratamente por su gran carga emocional y por el trabajo magistral de los actores, y a la vez me ha producido una fuerte amargura. La película está mucho más suavizada que el libro, no refleja tanto la marginación y las desgracias de los personajes, incluso el final queda abierto a diferentes interpretaciones. También he visto un paralelismo con la sociedad actual, con diferentes matices y variaciones pero cuyos hechos son prácticamente los mismos pero descritos en otro espacio temporal. Factores como el desempleo, la marginación, la resignación, exclusión social, hambre o violencia, resultan perfectamente comparables a lo que viene sucediendo en el mundo que vivimos, desde la crisis de la primera década del año dos mil: el éxodo de los refugiados, la inmigración, la precariedad en el trabajo, el sufrimiento de algunas capas sociales, etc., todo guarda una fuerte similitud con la película: episodios de hambre, pobreza y rechazo que sufrían las personas que llegaban a California en busca de una segunda oportunidad.

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Para concluir, con "Las uvas de la ira" su director, John Ford, consiguió una adaptación fiel al reflejo de la sociedad americana de los años treinta. El mensaje que transmite la película de esperanza, valor, lucha y dignidad, ha conseguido que esté considerada como un clásico imperecedero y atemporal dentro de la industria cinematográfica. "Estamos vivos. Somos el pueblo que sobrevive a todo. Nadie nos puede destruir. Nadie nos puede detener. Lo hacemos frente a todo". (diálogo final entre Jane Darwell (madre) y Henry Fonda (hijo).

BIBLIOGRAFIA Bogdanovich, P (1983) "John Ford".Ed. Fundamentos. Madrid Cabot, M (2007) “El pensamiento de Th.W.Adorno. Balance y perspectivas” UIB. Mallorca Duran, J y González, P(2008) "El cine de animación norteamericano y el cine mudo" Barcelona. UOC Gallagher , T ( 2009) "John Ford: El hombre y su cine" Ed. Akal. Madrid. Geneviève y otros (1996) "Manual de iniciación al arte cinematográfico" Ed.Rialp, sa. Madrid González, P. (2015) "El cine como medio de expresión. Bases históricas" Barcelona. UOC González, P. (2015) "De la implantació del sonor als anys de la postguerra" Barcelona. UOC Material facilitado por la tutora Bordwell, David "La introducción del sonido" Gomery, Douglad "La llegada del sonido a Hollywood" Gomery, Douglas: "Los grandes estudios de Hollywood" A HGC, Vol. 8 (pp. 119-149) Gomery, Douglas (1986): Hollywood: el sistema de estudios. Madrid: Verdoux

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