Instrumentos Musicales q3n5g

INTRODUCCION

El presente trabajo está enfocado en los instrumentos musicales, movimientos e intensidad de la música y la forma musical. Podemos definir un instrumento como cualquier objeto que es utilizado para algún fin por el ser humano. La clave de esta definición radica en que la propiedad del instrumento no es una característica propia del objeto sino que es brindada por el ser humano al conferirle un uso funcional. (En rigor, podríamos extender esta definición a cualquier especie animal.) Si la música es el arte de organizar sonido (con el fin de expresar algo), podemos concluir que un instrumento musical es cualquier objeto que sea utilizado por el ser humano para producir sonidos en el marco de una creación musical. Es decir, potencialmente cualquier objeto es un instrumento musical. Estudiar la física de los instrumentos musicales equivaldría entonces al estudio de las propiedades acústicas de todos los objetos, lo que no es una ayuda en la delimitación del objeto de estudio. En consecuencia, trataremos de estudiar las propiedades físicas (acústicas) de algunos objetos que han sido construidos (o utilizados) más frecuentemente como instrumentos musicales.

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INSTRUMENTOS MUSICALES Un instrumento musical es un sistema. Un sistema está compuesto por una estructura (las partes que lo integran) y un principio de organización, que es lo que brinda identidad al sistema. En el caso de los instrumentos musicales el sistema está compuesto al menos por un oscilador. Muchos instrumentos musicales disponen también de un resonador. En este caso, puede ser interesante estudiar la forma en que están acoplados oscilador y resonador. Finalmente es importante identificar la fuerza que excita el oscilador y, particularmente, la forma en que se lo excita. Por ejemplo, en un instrumento de cuerdas, la cuerda es el oscilador. La caja de resonancia es el resonador. Mientras que la forma en que se aplica la fuerza depende del instrumento: el dedo (o plectro) en la guitarra, un martillo en el piano, un arco en el violín, el viento en el caso del arpa eólica. Si lo importante de un instrumento musical es que puede producir un sonido entonces el estudio desde el punto de vista acústico de un instrumento musical debe centrarse en la forma en que se produce dicho sonido. Y más ampliamente en la influencia (incidencia) de cada una de las componentes del sistema (oscilador, eventual resonador y forma de excitación) sobre los parámetros del sonido, estos son: frecuencia fundamental (en caso de haberla - en general nos interesará saber cuál es la serie de parciales que se produce y a partir de qué parámetros de genera cada una de las frecuencias que la componen), intensidad, duración, timbre, (forma de onda). No podemos esperar que haya una única correspondencia entre una parte del sistema y uno de los parámetros del sonido. En general vamos a determinar que las distintas componentes del sistema "instrumento

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musical" van a estar ejerciendo influencia sobre más de uno de los parámetros del sonido. En la medida en que el músico intérprete tiene por función la producción de sonidos con su instrumento musical, es importante la reflexión acerca del funcionamiento de su instrumento a efectos de conocer cómo controlar los distintos parámetros del sonido que producirá en el transcurso de una interpretación. Características generales de los instrumentos musicales Las dos características de la música que son principalmente función del instrumento musical son la tonal y la dinámica. El aspecto tonal depende de la altura y del timbre del instrumento. El aspecto dinámico depende del nivel de intensidad absoluto producido por el instrumento y del rango dinámico o rango de intensidad. Principios Si bien por nuestra definición cualquier objeto es potencialmente un instrumento musical y como tal debería ser estudiado si, en determinadas circunstancias, es utilizado como instrumento musical en el contexto de una composición musical, vamos ahora a concentrarnos en el estudio de ciertos principios de funcionamiento acústico en los que se basa un conjunto importante de los instrumentos musicales más usados dentro de nuestra cultura. Este estudio, más su aplicación final a un caso concreto, pretende dar pistas sobre un método posible para el estudio de los instrumentos musicales desde un punto de vista acústico. Osciladores En primer lugar debemos estudiar los modos de oscilación de:

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cuerdas

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columnas de aire

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lengüetas

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membranas y placas

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barras

1) Cuerdas La cuerda es un objeto cuyo largo es mucho mayor que su ancho (de manera que podemos considerarlo casi como unidimensional). La cuerda fija en dos extremos genera series de parciales armónicas. La onda más usada desde el punto de vista musical es la transversal. La frecuencia (fundamental) que produce una onda es directamente proporcional a la tensión a la que está sometida e inversamente proporcional al largo y a la densidad lineal de la misma. El timbre (forma de onda resultante) dependerá fundamentalmente del material de construcción, del modo según el cual se excite al oscilador, del punto sobre el cual se excite la cuerda, y de las características del objeto con el cual se la ponga en oscilación. 2) Columnas de aire Hablamos de columnas de aire encerradas dentro de un tubo y debemos diferenciar dos casos: los tubos cerrados en un extremo (generalmente llamados tubos cerrados) y los tubos abiertos en los dos extremos (generalmente llamados tubos abiertos). La onda que se produce es longitudinal. La columna de aire encerrada en un tubo produce una serie de parciales armónica completa (tubo abierto en los dos extremos) o una serie de parciales con sólo los armónicos impares (tubo cerrado en un extremo).

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La frecuencia (fundamental) es inversamente proporcional al largo del tubo, con la característica de que el tubo cerrado en un extremo produce una frecuencia fundamental de la mitad (una octava más baja) que la que produce un tubo abierto en ambos extremos del mismo largo. El timbre dependerá fundamentalmente de la relación que exista entre el largo y el ancho del tubo y de la forma (interior) del mismo: cónico, cilíndrico o mezcla de ambos. En rigor, las columnas de aire encerradas en un tubo cumplen la función de resonadores. De acuerdo al sistema al que estén acoplados pueden tener un comportamiento claro como resonador o tener una interacción tal con el verdadero oscilador que hace que el estudio pueda parecer confuso. 3) Lengüetas Es necesario distinguir entre lengüetas blandas y duras. Las lengüetas blandas producen frecuencias muy inestables, dependiendo de la intensidad con la que se sople. Acopladas a un resonador como es una columna de aire encerrada en un tubo la frecuencia de oscilación de las lengüetas se estabiliza y ambos en interacción producen una onda con frecuencia más fácilmente controlable. Las lengüetas duras producen frecuencias estables y la frecuencia fundamental depende de las características de la lengüeta, es decir, material de construcción y dimensiones. Si el sistema tiene acoplada una columna de aire encerrada a un tubo, esta funciona claramente como resonador. Las características tímbricas dependerán esencialmente del material con el que está construida la lengüeta. 4) Membranas y placas Se podría estudiar la membrana rectangular como la combinación de varias cuerdas paralelas y perpendiculares. Los modos de oscilación 5

resultan de la combinación de los modos de oscilación de las cuerdas. Las membranas circulares (más usadas) no producen series armónicas. Se producen nodos radiales y circulares. Las figuras que identifican los diferentes modos de oscilación fueron estudiadas por Chladni (y suelen conocerse con ese nombre: figuras de Chladni). De manera similar a las cuerdas, la frecuencia más grave de la onda de una membrana en oscilación será directamente proporcional a la tensión a la que está sometida e inversamente proporcional a su radio y a densidad de superficie de la misma. Tímbricamente dependerá fundamentalmente del material con el cual está construida la membrana, pero también del punto en el cual sea excitada y el tipo de baqueta que se use para excitarla (en rigor, la superficie de la baqueta que tenga o con la membrana). Cuando hablamos de placas estamos usamos una terminología diferente a la que suelen usar los percusionistas. Nos referimos a instrumentos como los platillos o las campanas. Se incluyen en el mismo capítulo que las membranas dado que su comportamiento acústico es similar. Una diferencia fundamental es que las placas no están fijas en sus extremos (como la membrana), por lo que no podemos hablar de que estén sometidas a una tensión determinada. 5) Barras Al hablar de barras (lo que los percusionistas suelen llamar placas) nos estamos refiriendo a los instrumentos como xilófono, marimba o vibráfono. Hay que distinguir barras fijas en dos puntos y barras fijas en un extremo. Existen similitudes entre la barra fija en dos puntos y la cuerda fija en sus dos extremos, pero mientras que la fuerza de reposición en la cuerda se genera a partir de la tensión a la que está sometida, en el caso de la barra se debe a la rigidez del material del cual está construida, lo cual depende a su vez del grosor de la placa.

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La frecuencia fundamental será directamente proporcional al grosor e inversamente proporcional al largo de la barra. Las barras de sección uniforme no producen series de parciales armónicas. No obstante, los modos de oscilación que se producen tienen frecuencias bastante separadas entre sí, lo que evita la generación de un sonido con carácter de "ruido" como el de la membrana. Variando la sección de la barra (haciendo que no sea uniforme) puede modificarse la frecuencia de algunos modos de oscilación, de manera de aproximar la serie de parciales a una serie armónica. Las distintas formas en la variación de la sección tendrán como resultado timbres diferentes en el sonido de la barra. Modos de excitación de los osciladores El modo de excitación de los osciladores influye en lo inmediato en la intensidad y en la duración de los sonidos. Pero también influye en la resultante tímbrica del sonido, ya sea por el modo mismo de excitación como por el punto en el cual se realiza la excitación o las características del objeto con el cual se la realiza. Las cuerdas podrán ser excitadas por pulsación (guitarra), percusión (piano) o frotado (violín). También podrán ser excitadas por el viento, como el caso de las arpas eólicas. Las membranas, placas y barras son excitadas por percusión (mediante baquetas) y existen diferentes baquetas que tienen por objetivo producir resultados tímbricos variados. Las lengüetas se excitan por medio de chorros de aire, que son generados por el intérprete (caso de los instrumentos de soplo) o por sistemas de generación de aire, como en el órgano. Existen instrumentos (de los llamados idiófonos) en los que la excitación del oscilador se realiza por sacudido. Especialmente a lo largo del siglo 20 la experimentación que buscó la expansión de las posibilidades tímbricas de los instrumentos musicales 7

acústicos "usuales" (en determinado contexto cultural), llevó a la ampliación de los modos de excitación de los osciladores, de manera distinta para la cual habían sido construidos. En todo caso igual se reducen a las categorías mencionadas anteriormente. Resonadores La función de los resonadores es la de ayudar a adaptar la amplitud del movimiento de los osciladores a las necesidades que plantea el movimiento de las masas de aire a través del cual el sonido se propagará. En algunos casos (como los instrumentos de cuerda) el resonador permite directamente la audición de la oscilación, mientras que en otros (como en los instrumentos de barra) cumple la función de resaltar la oscilación original. Adicionalmente, en la medida en que -como todo cuerpo- el resonador tiene su propia curva de respuesta de frecuencias, con zonas en las cuales hay picos de resonancia o formantes, la acción del resonador también afectará al timbre del instrumento musical, modificando las características tímbricas originales producidas por el oscilador. Es importante estudiar la forma de transmisión de la oscilación del oscilador al resonador, porque allí se produce siempre una pérdida de energía que afecta tanto a la intensidad final del sonido, como eventualmente a su duración. Encontramos resonadores en los instrumentos de cuerda, lo que se conoce como caja de resonancia. Los instrumentos de membrana suelen tener un resonador acoplado (el cuerpo del tambor, por ejemplo). También son resonadores los tubos que encontramos en instrumentos de barra (debajo de las barras) como la marimba o el vibráfono. Finalmente, como ya se mencionara, en general las columnas de aire encerradas en tubos cumplen la función de resonadores.

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La voz La fonética acústica estudia los modos de producción sonora de la voz humana. La producción sonora está estrechamente relacionada con el idioma. Hay sonidos (fonemas) que aparecen en un idioma pero no en otro. Y hay representaciones gráficas cuya transcripción sonora puede ser muy distinta dependiendo del idioma. Existen tres grandes grupos sonoros 

los sonidos vocálicos, que tienen series armónicas

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los sonidos consonánticos, exclusivamente por transitorios

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los sonidos que combinan ambos.

compuestos

muchas

veces

La voz funciona básicamente sobre el principio de un chorro de aire que pone en oscilación a los ligamentos vocales. Estos son llamados también "cuerdas" vocales, pero preferimos evitar esta denominación a efectos de no confundirlos con los osciladores "cuerdas", que no son similares ni morfológicamente ni desde el punto de vista del funcionamiento acústico. La voz debe ser uno de los pocos instrumentos musicales que tiene un resonador variable, compuesto por la cavidad bucal y nasal, esencialmente, pero también por las otras partes del tracto vocal. Los ligamentos vocales oscilando producen un sonido único, que es moldeado tímbricamente por el resonador, en función de la colocación de los diferentes articuladores. La diferencia entre las distintas vocales es la ubicación de los picos de resonancia (formantes) generada por las características del resonador a partir de la combinación de los articuladores.

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La voz cantada en la tradición de la música culta occidental se caracteriza por la introducción de un formante adicional, el llamado "formante de canto", situado alrededor de los 2.500 Hz. Dicho formante era necesario para que los cantantes concentraran una parte importante de su energía en una zona en la cual la energía de una orquesta no es muy grande, a efectos de poder ser escuchados cuando cantaban con ese cuerpo instrumental. En la tradición musical uruguaya los cantantes de murgas recurrían a un principio similar de introducción de un formante adicional en el canto, con fines también equivalentes, de poder ser escuchados a mayores distancias. Aunque en este caso debido a que las presentaciones se realizaban en lugares que no ayudaban a la proyección del sonido, así como para superar el sonido "ambiente" del lugar en donde se realizaban las presentaciones. Al estudiar los instrumentos musicales, es frecuente encontrarse con la clásica división de los instrumentos en tres familias: viento, cuerda y percusión. Este sistema, aunque muy aceptado, es poco preciso, y así, por ejemplo se incluyen en percusión tanto los instrumentos propiamente percutidos como cualquier otro que simplemente no sea de cuerda ni de viento. Clasificación Clásica o Tradicional 

Viento: Los instrumentos de viento generan un sonido cuando se hace vibrar una columna de aire dentro de ellos. La frecuencia de la onda generada está relacionada con la longitud de la columna de aire y la forma del instrumento, mientras que la calidad del tono del sonido generado se ve afectada por la construcción del instrumento y el método de producción del tono.

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Cuerda: Los instrumentos de cuerda generan un sonido cuando la cuerda es pulsada. La frecuencia de la onda generada (y por ello la 10

nota producida) depende generalmente de la longitud de la porción que vibra de la cuerda, la tensión de cada cuerda y el punto en el cual la cuerda es tocada; la calidad del tono varía en función de cómo ha sido construida la cavidad de resonancia. 

Percusión: Los instrumentos de percusión crean sonido con o sin afinación, cuando son golpeados, agitados o frotados. La forma y el material de la parte del instrumento que es golpeada y la forma de la cavidad de resonancia, si la hay, determinan el sonido del instrumento.

Obviamente, esta clasificación tiene bastantes defectos, y si bien es cierto que podría ser adecuada para una primera introducción al estudio de los instrumentos musicales, no sería apropiada para la realización de un estudio más profundo. Brevemente, cabe señalar que los defectos de dicha clasificación radican en que está orientada a los instrumentos de la orquesta sinfónica, y, además, clasifica los instrumentos de manera bastante ilógica: atendiendo al cuerpo sonoro en el caso de las cuerdas, a la fuerza activante en los vientos y a la acción que produce el sonido en el caso de la percusión. Esta variedad de principios ordenadores conlleva desorganización y confusión y, además, excluye muchos instrumentos primitivos y los instrumentos eléctricos. Y estos problemas, como es de esperar, no solo aparecen al clasificar los instrumentos formales, sino también al aplicarla a los informales. "Pequeño tratado de Organología Informal". Algunos musicólogos, para paliar las carencias de las que adolece, añaden a la clasificación tradicional las siguientes categorías.

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Voz: La voz humana es un instrumento en sí mismo. Un cantante genera sonidos cuando el flujo de aire de sus pulmones hace vibrar las cuerdas vocales. La frecuencia es controlada por la tensión de las cuerdas vocales y la calidad del tono por la forma del tracto vocal. La voz permite generar un amplio rango de sonidos.

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Teclados: Los instrumentos de teclado son instrumentos de viento (órgano), cuerda (clavicordio), percusión (piano) o electrónicos (sintetizador) que son tocados utilizando un teclado, de forma que cada tecla genera uno o más sonidos. Muchos instrumentos de teclado tienen otros medios (pedales en el caso del piano, paradas en el caso del órgano) para alterar esos sonidos.

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Electrónicos: Los instrumentos electrónicos generan sonido por medios electrónicos. Generalmente imitan a otros instrumentos en su diseño, especialmente a los instrumentos de teclado.

En 1914, los musicólogos Erich M. Von Hornbostel y Curt Sachs idearon una clasificación mucho más lógica que pretendía englobar a todos los instrumentos existentes. Esta clasificación es mucho más precisa, ya que tiene en cuenta los principios acústicos que hacen sonar a los diferentes instrumentos. Así, se establecen cinco grandes clases de instrumentos musicales, que a su vez se dividen en grupos y subgrupos: 

Aerófonos: utilizan el aire como fuente de sonido. Se subdividen en aerófonos de columna (constan de un tubo sonoro cuya columna aérea actúa como cuerpo sonoro y determina la frecuencia de los sonidos emitidos más que el dispositivo de excitación) y aerófonos libres (la frecuencia del sonido depende del dispositivo que excita la columna o masa de aire, que actúa sólo como resonador). El aire incluido en una cámara puede ser puesto en movimiento al ser empujado soplando hacia un bisel (flautas), por la vibración de una lengüeta batiente 12

(oboes y clarinetes) o libre (armónicas), o bien de los labios del ejecutante. Algunos instrumentos actúan directamente en el aire circundante (roncadores).

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Cordófonos: el sonido es producido mediante una o varias cuerdas en tensión. Se suelen subdividir en cuatro categorías según el modo de excitación: punteados con los dedos o con ayuda de un plectro (arpas, guitarras, bandurrias, laúdes, vihuelas, salterios, clavecines), frotados con un arco (violines, etc.), o golpeados con macillos (pianos, tímpanos...)

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Idiófonos: están formados por materiales naturalmente sonoros. Se los subdivide según el modo de excitación: percutidos, punteados, sacudidos, frotados, raspados, etc. (campanas tubulares, xilófono).

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Membranófonos: producen sonido mediante una o más membranas tendidas sobre sus correspondientes aberturas (son, básicamente, los tambores, aunque también otros instrumentos, como el mirlitón o el kazoo).

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Electrófonos: el sonido se produce y/o modifica mediante corrientes eléctricas. Se suelen subdividir en instrumentos mecánico-eléctricos (mezclan elementos mecánicos y elementos eléctricos) y radioeléctricos (totalmente a partir de oscilaciones eléctricas).

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A continuación, se muestra una tabla más detallada con dicha clasificación:

Clasificación de los instrumentos por Sachs y Hornbostel

Cordófonos

Aerófonos

TIPO

Definición

El sonido se produce al vibrar una COLUMNA DE AIRE.

El sonido se produce al vibrar una CUERDA tensa.

Forma / Modo de Ejecución

EJEMPLOS

Boquilla o embocadura

Tuba, Trompa, Trompeta, Trombón, Helicón, Bombardino, Corneta, Serpentón, Sousafón

Bisel

Flauta travesera, piccolo

Lengüeta simple

Clarinete, Saxofón

Lengüeta doble

Oboe, Corno inglés, Fagot, Contrafagot, Tenora

Lengüeta libre

Armónica, acordeón

Mixta

órgano de Iglesia, gaita gallega

Frotada

Violín, viola, violonchelo, contrabajo, Viola da gamba, viola da braccio

Pulsada o pellizcada

Guitarra, laúd, bandurria, balalaika, banjo, ukelele, timple, guitarrico, guitarrón, vihuela, Cítara, salterio, arpa, clave

Percutida con teclado

Piano, clavicordio

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Idiófonos Membranófonos

El sonido se produce al vibrar el PROPIO CUERPO del instrumento.

El sonido se produce al vibrar una MEMBRANA.

Entrechoque

Claves, Castañuelas, látigo, platillos, crótalos

Golpeados o percutidos

Triángulo, plato, caja china, instrumentos de láminas (xilófono, marimba, glockenspiel (lira o campanas), celesta, metalófono, vibráfono), campanas, cencerros, tamtam, gong, litófonos, agogó, campanillas, glockenspiel de cristal

Sacudidos

Sistro, sonajero de discos (pandereta de varilla), cabasa, cascabeles, pandereta, maracas, tubos (chócalo)

Raspados

Güiro, matracas, raspador de madera

Punteados

Caja de música, arpa de boca (guimbarda o birimbao)

Frotados

Armónica de cristal, Serrucho

Soplados

Piano chanteur (varillas con recipientes de vidrio)

Percutidos

Timbales, Tambor, pandero, Bombo, caja de redoble, bongós, congas (tumbas o tumbadoras), tomtom

Frotados

Tambores de fricción, zambomba

Soplados

Mirlitón, silbato, matasuegras, kazoo

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Electrófonos

El sonido se produce por medios Eléctricos.

Instrumentos tradicionales

Piano eléctrico, saxo midi, gaita midi, Guitarra eléctrica, Bajo eléctrico.

Nueva construcción

Sintetizador, Ondas Martenot, Theremin

Instrumentos de la música folklórica venezolana Las fiestas y danzas populares son el resultado de la fusión de estas tres culturas que dieron origen a lo típicamente criollo. En cualquier región del país las danzas y las canciones se acompañan de instrumentos musicales, los cuales tienen sus raíces en los ancestros indígenas, africanos y españoles. Los instrumentos musicales pueden clasificarse en cuatro grupos. 1.- Cordófonos: Son de origen español su sonido es producido por la vibración de cuerdas sobre una caja de resonancia. Los más importantes son: arpa, bandola, cuatro, requinto, violín y carángano. 2.- Aerófonos: son instrumentos de origen indígena cuyo sonido se produce cuando se insufla a través de uno de sus orificios. Los más importantes son: flauta ó mare, cachos de Tura, guarura o caracol. 3.- Idiófonos: son instrumentos que producen sonido por la vibración de sus propios cuerpos, por frotación o por percusión. Algunas muestras son: maracas, quitiplas, chinescos y charrasca. 4.- Membranófonos: son instrumentos de percusión de origen africano. Producen el sonido al golpear una de las membranas que recubre unos

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cilindros de madera. Entre los más importantes se encuentran: Tamboril, Zambomba, Bombo, Pandereta, Pandereta Cuadrada y Mirliton. Arpa llanera El arpa llanera es un instrumento de cuerda diatónico Creado originalmente en la región occidental de Venezuela y utilizado también, desde el mediado del siglo XX, en Colombia. De la familia del arpa, tiene 32 o 33 cuerdas de diferentes calibres y organizadas en la escala musical según el grosor y carece de pedales para lograr las alteraciones. Regularmente es construida en cedro, pino y otras maderas resistentes. Se utiliza laca transparente en su pintura para que no pierda sonoridad. Es ejecutada en la música llanera. Bandola La bandola es un instrumento musical de cuerda, hecha en madera, descendiente de los instrumentos árabes de la península ibérica que llegaron a las Américas. Hay varios tipos de bandola:  la bandola llanera (4 cuerdas)  la bandola andina colombiana (6 órdenes dobles o triples, los 4 primeros, para 12 o 16 cuerdas)  la bandola oriental (4 órdenes dobles).  la bandola cordillerana (guariqueña) La bandola es un instrumento con un sonido alegre, que sirve para tocar canciones tradicionales de la zona en donde se toca. En la música colombiana se acompaña de un tiple y una guitarra. En Europa occidental se utiliza un instrumento muy parecido la llamada mandolina. En Venezuela y Colombia se ejecutan de manera muy completa y fuerte, dándole un carácter de bravura. La bandola llanera originalmente era un instrumento acompañante en el joropo, denominada “pin-pon” por corresponderle llevar el ritmo de los bordones, hasta que en fechas relativamente recientes

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se posicionó como instrumento melódico gracias al virtuosismo de destacados ejecutores. Cuatro El cuatro es un instrumento de la familia de la guitarra. Se utiliza en toda Latinoamérica, pero adquiere un papel relevante en los conjuntos musicales de países como Venezuela y Puerto Rico, en donde forma parte del folclore y acompaña los bailes y canciones populares. Partes del Cuatro • Cabeza: Es una pieza de madera incrustada al diapasón de la cabeza y es donde van colocadas las clavijas. • Diapasón: se fabrica con una aleación de cromo, níquel y acero. • Caja armónica: Parte exterior de madera que cubre algunos instrumentos; cuerpo hueco de madera que forma parte principal de los instrumentos de cuerda. • Clavija: Pieza pequeña de madera o metal que se utiliza para tensar las cuerdas de un instrumento musical. • Cejuela: Pieza de madera o hueso que separa el diapasón de la cabeza y es donde encajan las cuerdas del instrumento. • Traste: Es una serie de divisiones formadas por piezas lineales ya sea de metal o de madera y al espacio que existe entre una y otra división se llama traste. • Barras: son las divisiones perpendiculares a las cuerdas que se encuentran en el diapasón del cuatro generalmente son de metal y separan a los trastes. • Tapa: Pieza que cierra por la parte superior al cuatro.

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• Boca: es la abertura u orificio del cuatro para reflejar o aumentar el sonido. • Cuerdas: Hilo hecho de nailon que, por vibración, produce los sonidos en ciertos instrumentos músicos. • Puente: tablilla que mantiene levantadas las cuerdas del cuatro y de otros instrumentos de cuerda Orígenes del cuatro Tiene sus orígenes muy remotos. Instrumentos similares aparecen en grabados Iraníes y Cretenses en forma ovoidal y cuadrado. En el año 3.000& A.C., se encuentran instrumentos parecidos en Egipto, derivados de instrumentos caldeo-asirios. CUATRO VENEZOLANO

El cuatro venezolano, también conocido como cuatro llanero o cuatro tradicional, se usa en la ejecución de ritmos venezolanos entre los que más se destacan: el orquídea, el joropo, el merengue venezolano, la gaita de furro, la parranda central, el vals y el aguinaldo. El cuatro es parte inseparable de los conjuntos típicos de música llanera, junto con el arpa llanera (o bandola, según el caso) y las maracas. También se utilizaba como acompañamiento de canciones de ordeño que fue lo que dio origen a la tonada venezolana. Suele tener una función de acompañamiento, aunque también puede ocupar un puesto de solista, como instrumento de

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concierto, en algunos casos (por lo general, fuera del ámbito de la ya mencionada música llanera). Normalmente se toca rasgueando las cuerdas con la mano derecha y haciendo los acordes con la mano izquierda. La afinación estándar no permite muchas salidas de este esquema, por lo que a veces es necesario cambiar la afinación para llegar a nuevas posibilidades melódicas, como en el caso del cuatro solista. Banda Rítmica Una banda rítmica es la que tiene un compás de tiempo de 4 cuartos donde los instrumentos acoplan con sus notas o acordes tales como: triángulo, pandereta, cascabeles, castañuelas, platillos, tambor, redoblantes, palitos chinos y otros más. la formación de la banda rítmica es uno de los medios más idóneos y asequibles que presenta la Educación Musical para hacer comprender al individuo la necesidad e importancia de estas relaciones colectivistas, por la forma de manifestarse amena, espontánea, artística y transmitir sentimientos, emociones y conocimientos. La banda rítmica, como resultado de la unión de la música y la danza, desarrolla una serie de conocimientos, hábitos y habilidades que permiten al estudiante tener las herramientas necesarias para lograr apropiarse de los conocimientos; estas pequeñas agrupaciones que siempre han gozado de gran popularidad en los diferentes niveles de enseñanza, son acogidas por la dirección de las escuelas, la comunidad, padres y niños con entusiasmo. Las mismas contribuyen a desarrollar sentido de unidad, colectividad, pertenencia, disciplina, eleva la autoestima y el fortalecimiento de los valores morales, vinculan los estudiantes a la escuela y ayudan a lograr una cultura general integral. También desarrollan flexibilidad, control muscular, coordinación e independencia en los 21

estudiantes, así como estimulan la creatividad e imaginación en el proceso docente. Sin embargo, no se aprovechan a un nivel deseado. Esto a su vez es el elemento a tener en cuenta en esta breve reflexión, que toma como punto de partida la historia recogida en la bibliografía existente. Existen diferentes criterios sobre la época en que apareció la banda de música. Algunos le atribuyen el nacimiento en las comunidades primitivas, al decir que los instrumentos de viento y de percusión que utilizaban aquellos pueblos para la caza, pero sobre todo para las guerras, pueden ser considerados como las primeras bandas musicales, no importa lo rudimentarias que fueran. Otros afirman que las bandas surgieron en realidad en la edad moderna, hacia el siglo XVII. Los estudiosos no discuten que aquellos instrumentos son los antecedentes de los actuales, ni que la banda de música nació vinculada a las guerras. Estos añaden que su función inicial consistía en enardecer a los guerreros e incitarlos para luchar más bravamente. Los primeros regimientos del ejército español que pisaron tierras cubanas lo hicieron al son del redoblante de la banda militar que los acompañaba. Igualmente fue compañera de los revolucionarios independentistas cubanos en la manigua y en el exilio. Entre 1920 y 1940, las bandas se convirtieron en una actividad común y profunda en las escuelas y jardines infantiles de todo el mundo. En Cuba, las bandas municipales contribuyeron notablemente a la formación de músicos, y en muchos casos junto a ellas se crearon academias de música en la que podían estudiar hijos de obreros, debido a que los maestros impartían clases voluntarias. La banda rítmica tuvo su gran auge en la Educación Musical. Se les llamó también ´´ orquesta de juguetes ´´, pues se les enseñaba a los niños a

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tocar instrumentos de percusión y se llegaba a una suerte de ejecución orquestal. Las bandas son organizaciones musicales que están constituidas por instrumentos de viento de y de percusión. Se estructuran de manera similar a las orquestas. De estas agrupaciones vamos a encontrar varios tipos de bandas, dependiendo de su estructura y la función que cumplan. Encontramos así las Bandas Militares o Marciales que se remontan al siglo XVII constituidas por instrumentos de viento y percusión, que cumplían la misión de enardecer el ánimo de los combatientes además de marcar el ritmo de la marcha de las tropas. Al principio se utilizaron solo instrumentos de percusión, las cuales reciben el nombre de Banda Seca. Estas bandas reciben su nombre por su constitución, ya que solo utiliza redoblantes, granaderos, bombos y carece de cualquier instrumento de viento. Posteriormente se fueron incorporando instrumentos de vientos con pífanos, clarinetes, cornetines, cornetas, trompetas, flicornos y saxhornos. Otro tipo de bandas muy populares son las Bandas Show, que con un carácter muy diferente al de las bandas marciales, estas buscan alegrar a sus espectadores. Estas están constituidas por instrumentos de percusión y viento, además de que poseen un cuerpo de baile. Este tipo de banda es muy popular en las escuelas y universidades de los Estados Unidos, las cuales cumplen una función pedagógica y de formación a los quien la integran, pues son agrupaciones bastante numerosas con una gran versatilidad. En nuestro país existen bandas de este tipo que realizan un excelente trabajo, tanto musical como coreográfico aunque su repertorio es una adaptación de música popular, es decir, que no poseen un repertorio explícitamente escrito para Bandas Show aunque se ejecutan arreglos y composiciones para estos tipos de bandas provenientes de los Estados Unidos. Una banda un poco diferente de las anteriores es la Banda Pop. Estas agrupaciones son menos numerosas que la banda marcial y la banda show. Como su nombre lo dice, estas agrupaciones ejecutan música pop y su 23

instrumentación puede variar. Un estándar muy utilizado en cuanto a instrumentación de la banda pop, consiste es guitarras (tanto acústicas, electro-acústicas y eléctricas), bajo, batería, teclados y percusión. Este tipo de bandas tienen más un fin comercial al contrario de las bandas show y marciales. Una banda que posee una función muy especial y educativa es la Banda Rítmica. Ella es el resultado de la unión de la música con la danza, donde se desarrollan el sentido de unidad, colectividad, permanencia, disciplina, así como también fortalece los valores morales y ayuda a los niños a lograr una cultura general integral. Además desarrolla el control muscular, la coordinación e independencia, la flexibilidad, la creatividad y la imaginación. Una banda rítmica está constituida por instrumentos tales como triángulos, panderetas, cascabeles, castañuelas, platillos, tambor, redoblantes, palitos chinos y muchos más. Pero no solo se utilizan instrumentos de percusión, sino que también existen instrumentos de sonido determinado, como metalófonos, xilófono, marimba, sistros, liras, guitarra, cuatro y flauta dulce. Al igual que la orquesta la banda rítmica posee un balance en cuanto a la cantidad de instrumentos a utilizar, buscando siempre la mejor sonoridad. La combinación de los instrumentos de madera varía entre 4 y 5 toc-toc, 10 y 12 pares de palitos, 3 y 4castañuelas, 1 bloque, 1 güiro, 4 y 5 pares de lijas, 1 maracas y 1 matraca que es utilizada para efectos especiales. En los instrumentos de membrana, 4 tamborines y 2tambores. De los instrumentos de metal, 4 cascabeles, 4 sonajas, 1 o 2 pares de platillos, 2 triángulos, 1 cencerro, 1 campana, 1 gong y 2 o 3 chin chin. De los instrumentos mixtos, 3 panderetas. Como la banda rítmica incorpora la danza, no es necesario que los que conforman la agrupación, todos ejecuten instrumentos, pues pueden bailar y cantar, teniendo en cuenta en este último caso, que la voz será el instrumento principal y los demás servirán de acompañamiento. Los instrumentos de percusión constituye un recurso valioso e insustituible dentro de la pedagogía musical, tanto en su empleo individual como en forma conjunta, pues despierta gran interés a los niños, sin

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embargo, el valor educativo que tiene este recurso no se ha llegado a explotar debidamente en la educación venezolana. En la pedagogía musical se ha dado paso a la aplicación de métodos basados en el juego, la actividad corporal, el descubrimiento creativo y en la participación del niño, entendiendo que la metodología abarca el cómo enseñar, el docente debe tomar en cuenta los medios existen al momento de enseñar música. Una de las metodologías más interesantes e importantes de es la Carl Orff, quien con su metodología logra que el niño se exprese íntegramente y de manera creadora a través de la música. La obra de Orff está basada en la actividad, la que origina un o con la música desde el primer momento contando con todos sus elementos de ritmo, melodía, armonía y timbre, resultando una música sencilla, original, y elemental que conforma una unidad junto con el lenguaje y el movimiento. Este método tiene como base los ritmos del lenguaje, siendo la célula generadora del ritmo y de la música la palabra hablada. Por tanto su base la tiene en la triple actividad de, la palabra, la música y el movimiento. Este método forma a los niños en el aspecto musical de una forma natural y progresiva, mediante el juego y la improvisación de ritmos y melodías. La instrumentación utilizada por Orff responde a las necesidades del niño, desde la ejecución de instrumentos musicales y la expresión corporal, hasta la integración y participación grupal, la improvisación y la creación. Con la creación, Orff busca que los niños logren componer espontáneamente trozos musicales interesantes sin llegar a ser necesariamente composiciones musicales complejas. Asimismo el juego es imprescindible, se debe jugar con los valores rítmicos, con los sonidos, con los textos, con los instrumentos con el accionar de sus manos y pies, con sus voces. El juego lleva a la alegría, que viene a ser la realización personal del mundo afectivo del niño. La actividad lúdica debe ser aplicada correctamente sin llegar al divertimento y no creer que pueda ser demasiado simple como para poder sacarle provecho a una actividad propuesta. El uso de esta metodología es variado y su utilización en la Banda Rítmica es de suma importancia. La escuela que nosotros manejamos no es un centro musical especialista, como sería un

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conservatorio de música, la escuela primaria es ese amplísimo mundo en que los niños se educan de una manera muy generalizada, allí cultiva el niño todo lo que es necesario para la vida, desarrolla sus sentidos y aprende. Si bien en todas las escuelas primarias venezolanas no encontramos los recursos necesarios para la creación de una banda rítmica, específicamente los instrumentación que la conforman, los docentes de educación musical pueden crear algunos de estos instrumentos, utilizando para ello materiales de desecho, los cuales pueden ser donados por los mismos estudiantes e incluso ellos sería participes de la fabricación de los instrumentos para la banda rítmica. Una realidad desalentadora en las escuelas primarias venezolanas es que el docente de educación musical no posee un ambiente donde impartir y compartir sus conocimientos con sus educandos, esto dificulta notoriamente la creación de pequeñas agrupaciones musicales integradas por los estudiantes, tales como estudiantinas, coros, bandas rítmicas, entre otros, así como también la mala imagen que tiene el docente de música en las instituciones quien es visto como un suplente de los maestros de aula, lo cual hace mucho más difícil la realización de su verdadera función. Una banda rítmica trae consigo un aporte bastante significativo al desarrollo integral del niño, en las escuelas primarias se desconoce su valor. El motivo se debe al desconocimiento que se tiene sobre la importancia de la educación musical en el desarrollo del infante, y por tanto es un trabajo de concientización se puede lograr un cambio en el pensamiento. La creación de una Banda Rítmica en una escuela primaria es un trabajo arduo pero que al cabo de un tiempo comenzará a dar sus frutos, debido a las posibilidades que ofrece la metodología Orff para lograr el desarrollo de las actitudes musicales y las capacidades creadoras en los niños. También cabe destacar que la utilización de instrumentos de percusión, para concientizar el ritmo, el juego con palabras y el canto de melodías las cuales sirven para que el niño invente patrones rítmicos y melódicos, hacer imitaciones con lo creado, y luego tratar de relacionarlos con juegos tradicionales, demuestran lo eficaz e importante de la banda rítmica para la preparación y sensibilización hacia

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la música, el desarrollo afectivo, emocional, cognoscitivo y la creatividad en el niño. Podemos ver así la importancia del uso de la Banda rítmica en la escuela primaria, como se relaciona con los aspectos de la vida cotidiana de los niños y sus sentimientos a través de la música y podemos decir así que el método Orff toma en cuenta al ser humano en todo su contexto. Una banda está formada por un conjunto de intérpretes de instrumentos de viento y percusión. En una banda la parte principal del sonido es producida por los instrumentos de viento. Las bandas son el mejor medio para la música en espacios libres, donde se requieren potencias elevadas de sonido. En una banda estándar, el número de instrumentos varía desde 25 a 50 e incluso más. La banda militar es prácticamente la misma que la banda estándar excepto que puede ser aumentada por cuerpos de pífanos, tambores o clarines.

INSTRUMENTOS DE LAS ORQUESTAS La orquesta sinfónica u orquesta filarmónica es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias familias de instrumentos, como el viento madera, viento metal, percusión y cuerda. Una orquesta sinfónica o filarmónica tiene generalmente más de ochenta músicos en su lista. Sólo en algunos casos llega a tener más de cien, pero el 27

número de músicos empleados en una interpretación particular puede variar según la obra que va a ser tocada y el tamaño del lugar en donde ocurrirá la presentación. El término «orquesta» se deriva de un término griego que se usaba para nombrar a la zona frente al escenario destinada al coro y significa ‘lugar para danzar Instrumentos de la orquesta

Esquema de colocación de los instrumentos de una orquesta sinfónica.

La orquesta sinfónica típica consta de cuatro grupos proporcionales de instrumentos musicales similares, por lo general aparecen en las partituras en el siguiente orden (con sus respectivas proporciones indicadas):

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

  

Viento madera: 1 flautín, 2 flautas, 2 oboes, 1 corno inglés, 2 clarinetes y 2 fagots. Ocasionalmente también se incluyen 1 clarinete bajo o 1 contrafagot. Viento metal: de 2 a 5 trompetas, de 2 a 6 trompas, 2 o 3 trombones tenores y 1 o 2 bajos. Ocasionalmente, 1 tuba, Percusión: varía muchísimo dependiendo de la obra, pudiendo encontrar timbales, caja. Cuerdas: de 16 a 30 violines o más, de 8 a 12 violas o más, de 8 a 12 chelos o más y de 5 a 8 contrabajos o más. Ocasionalmente también se incluyen arpa, guitarras y piano.

Cada sección de la orquesta tiene una colocación determinada de 15 tipos de instrumentos, que ha venido siendo normalizada por la potencia sonora de los instrumentos. Así, los instrumentos de cuerda se sitúan al frente, de más agudo a más grave, detrás se colocan los instrumentos de viento, primero madera y luego metal, y al final se colocan los instrumentos de percusión y el piano. Eso es todo De estos instrumentos, hay muchos que son el corazón de la orquesta y nunca se renuncia a ellos, y otros que son auxiliares y no siempre aparecen en la orquesta, pese a ser parte del modelo estándar. Por ejemplo, los violines son imprescindibles pero el piano no siempre se encuentra. En una orquesta sinfónica hay aproximadamente 100 instrumentos.

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MOVIMIENTO (MÚSICA) Para la acepción musical del término movimiento referente a la velocidad con que ha de ejecutarse una pieza de música, véase Tempo. En música y, sobre todo, en la música clásica, un movimiento es una parte de una composición más amplia o forma musical previsto para ser ejecutado en sucesión con otros, aunque propiamente posea un inicio y un final. Origen del uso del término Como dentro de una pieza de música de una longitud considerable suelen existir distintas partes y estas poseen distintas velocidades, muchas 30

veces se usa el término movimiento y la palabra italiana que lo indica para referirse a cada una de estas partes. Por ejemplo, puede decirse que la sonata Quasi una fantasía de Beethoven (mejor conocida como Claro de Luna), consta de tres movimientos llamados adagio sostenuto, allegretto y presto agitato. Reglas acerca de los movimientos Las diferentes formas musicales tienen distintas normas sobre el número de movimientos requeridos. Sin embargo, hay muchas excepciones a la regla. Por ejemplo, la Sinfonía n.º 6 de Beethoven y la Sinfonía fantástica de Héctor Berlioz tienen cinco movimientos, cuando lo convencional en una sinfonía de ese período es tener sólo cuatro. También es posible enlazar dos o más movimientos sin interrupción como, por ejemplo, los movimientos tercero y cuarto de la Sinfonía n.º 5 de Beethoven o de la Sinfonía n.º 2 de Sibelius. Incluso todos los movimientos de una pieza pueden sonar consecutivamente sin interrupción alguna como, por ejemplo, en las sinfonías n.º 11 y n.º 12 de Shostakovich. Los conciertos barrocos, por su parte, solían tener tres movimientos (allegro, adagio y allegro) aunque, por ejemplo, el primero de los conciertos de Brandenburgo tiene cuatro. Conductas en la interpretación de los movimientos En un concierto público, lo convencional es aplaudir al final de la obra completa y no entre los movimientos. Sin embargo, debe considerarse que durante el clasicismo fue lugar común aplaudir después de cada movimiento. De hecho, a veces el aplauso

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era tan intenso y fervoroso que los directores simplemente repetían el movimiento. La notación musical es el conjunto de signos que indican gráficamente el sonido. o El sonido se distingue por: Altura, Duración, Intensidad, Timbre. o Altura = que nos permite distinguir si un sonido es grave (bajo) o agudo (alto) o Duración = tiempo que transcurre desde que empieza el sonido hasta que acaba o Intensidad = mayor o menor fuerza de un sonido o Timbre = calidad que nos permite distinguir sonidos producidos por diferentes instrumentos o voces LA INTENSIDAD Es la cantidad de energía acústica que contiene un sonido, es decir, lo fuerte o suave de un sonido. La intensidad viene determinada por la potencia, que a su vez está determinada por la amplitud y nos permite distinguir si el sonido es fuerte o débil. La intensidad del sonido se divide en intensidad física e intensidad auditiva, la primera está determinada por la cantidad de energía que se propaga, en la unidad de tiempo, a través de la unidad de área perpendicular a la dirección en que se propaga la onda. Y la intensidad auditiva que se fundamenta en la ley psicofísica de Weber-Fechner, que establece una relación logarítmica entre la intensidad física del sonido que es captado, y la intensidad física mínima audible por el oído humano. Los sonidos que percibimos deben superar el umbral auditivo (0 dB) y no llegar al umbral de dolor (140 dB). Esta cualidad la medimos con el sonómetro y los resultados se expresan en decibelios (dB) en honor al científico e inventor Alexander Graham Bell.

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En música se escriben así: Nombre

Intensidad

piano pianissimo(ppp)

más suave que pianissimo

Pianissimo (pp)

muy suave

Piano (p)

suave

Mezzo Piano (mp)

medio suave

Mezzo Forte (mf)

medio fuerte

Forte (f)

fuerte

Fortissimo (ff)

muy fuerte

forte fortissimo (fff)

más fuerte que fortissimo

El Ataque, es una cualidad que se relaciona tanto con la duración como con la intensidad del sonido y corresponde al intervalo de tiempo comprendido entre el inicio del sonido y el punto en el cual se alcanza el tono constante. Esta cualidad difiere de un instrumento a otro, siendo relevante para efectos de identificar timbres instrumentales. La altura es la cantidad de vibraciones por segundo, va a ser muy agudo o más grave. Hay un rango de vibraciones que nuestro oído no percibe, las que uno escucha esta entre las 20 a 20.000 vibraciones por segundo. Cada nota musical tiene su propia altura: 440 vibraciones por segundo = LA 449 vibraciones por segundo = SI El pentagrama está ligado a la altura. Es el conjunto de 5 líneas equidistantes y horizontales con 4 espacios donde se escriben las notas musicales.

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El ostinato es una estructura pequeña de carácter rítmico o rítmico melódico, que se repite constantemente en una obra musical. Ej: el rasgueo. Melodía Melodía, sucesión organizada de notas de tono y duración específicas, enlazadas juntas en el tiempo para producir una expresión musical coherente. En términos de la música occidental, la melodía es (junto con el ritmo) el aspecto 'horizontal' de la música que avanza en el tiempo, mientras que la armonía es el aspecto 'vertical', el sonido simultáneo de tonos distintos. Organización de las duraciones y las alturas. Necesita un pentagrama o pauta. En todo sistema musical, la creación de una melodía implica la selección de unas notas a partir de un juego preexistente llamado escala, y de hecho es un grupo de sonidos separados por unos intervalos específicos (las distancias de tono que separan las notas). El intervalo es la diferencia de altura entre dos tonos musicales oídos sucesiva o simultáneamente. Así, el intervalo do-sol se denomina de quinta, ya que comprende cinco notas de la escala diatónica (los intervalos siempre se cuentan con ambos extremos incluidos). El unísono (del italiano, 'una sola nota') consiste en dos tonos idénticos (por ejemplo, dos voces que cantan el do central). La octava (del latín, octavus) es un intervalo entre dos notas separadas por 5 tonos y 2 semitonos (por ejemplo, del do central al do inmediatamente superior en la escala). Es la mayor o menor distancia que hay entre 2 notas seguidas o continuas. La escala es el arreglo, mediante la elevación o el descenso de una serie tonal, de las notas utilizadas en un sistema musical. El carácter sonoro

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de una escala dada depende del tamaño y secuencia de los intervalos entre sus notas sucesivas. Sucesión graduada (ordenada) de las notas musicales. Pentáfora 5 notas, no tiene semi tonos. (Escala Primitiva) Do-Re-Mi-Sol-La Heptáfora Tiene tonos y semi tonos. (Escala Diatórica) Do-Re-Mi-Fa-Sol-La-Si Cromática Tiene sólo semi tonos, 12 sonidos. Los sentidos son la dirección de las notas. Existen: horizontal, ascendente, descendente, ondulado y quebrado. Ritmo Mide el sonido en cuanto a la duración. El ritmo tiene independencia puede vivir solo, a diferencia de la melodía. El manejo del tiempo en música se expresa mediante conceptos tales como las longitudes de las notas y las relaciones entre ellas, los grados relativos de énfasis sobre las diferentes notas y, particularmente, el compás. Ritmo es el flujo de movimiento controlado o medido, sonoro o visual, generalmente producido por una ordenación de elementos diferentes del medio en cuestión. El ritmo es una característica básica de todas las artes, especialmente de la música, la poesía y la danza. También puede detectarse en los fenómenos naturales. La unidad rítmica básica por excelencia es el pulso, un patrón espaciado regularmente que se parece al ritmo de un reloj. En la mayor parte de la música de baile y en la popular, el pulso aparece de forma explícita, a menudo por medio del batir de los tambores o mediante un

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patrón de acompañamiento regular. En músicas más complejas, el pulso sólo está implícito; es una especie de denominador común para las longitudes de las notas, que pueden ser más largas o cortas que el pulso mismo (sin embargo, cuando un oyente lleva el ritmo con el pie, el pulso vuelve a ser explícito). El pulso es una variable rítmica que es constante, regular y tiene movimiento o velocidad. Tiene un código para indicar qué tipo de velocidad quiere el músico, se conoce como tempo, tiempo o movimiento: Largo muy lento Lento lento Adagio menos que lento (velocidad de la paz o calma) Andante mediano Allegro rápido Presto muy rápido Acelerando Disminuendo (Ralentando) El acento es uno de los pulsos que adquiere mayor importancia, es periódico o cíclico cada 2, 3 o 4 tiempos. Da origen automático a los compases porque es el primer tiempo de cada compás. Los compases son fracciones que se colocan al principio del pentagrama y que dividen el tiempo de la pieza musical en partes iguales. El compás nos da las pautas y marcas del tiempo que debemos usar al interpretar rítmicamente la pieza musical. Podemos apreciar de forma práctica el compás, observando el movimiento de la mano de un director de orquesta. Este utiliza movimientos concretos para cada uno de los compases. Los compases se clasifican según su división en tres grupos: Binarios, ternarios y cuaternarios, y se representan con una fracción, donde el

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número de arriba indica las partes en las que se divide el compás, y el número de abajo el valor de cada parte. Unidades de igual duración comprendidos entre barras divisorias. Conforman, le dan forma a la obra. El cifrado es la combinación numérica que define la duración interna de los compases. Ej: 4, 3, 3, 2, 6 Las barras divisorias o de compás pueden ser de 3 tipos: 4 8 4 4 8 Simple Dobles: De repetición Armonía En música es la combinación de notas que se emiten simultáneamente. El término armonía se emplea tanto en el sentido general de un conjunto de notas o sonidos que suenan al mismo tiempo, como en el de la sucesión de estos conjuntos de sonidos. La armonía sería el término contrapuesto al de melodía (en que los sonidos se emiten uno después de otro). Cuando dos o más notas aparecen al mismo tiempo en cualquier composición musical se produce un tipo característico de armonía: en la intersección de las melodías simultáneas de una fuga o en una melodía a la que acompaña un determinado contrapunto; en los acordes a la guitarra que acompañan una canción popular; en los bloques de sorprendentes acordes de la armónica que se tocan junto a la melodía en la música japonesa del gagaku; y en los sonidos prolongados o insistentemente repetidos (llamados pedales) que sirven de base a géneros tan diversos como la música de gaitas de Escocia o la música clásica de la India. Sin embargo, es en occidente, especialmente en el periodo posterior al renacimiento, donde la armonía asume un papel central en la estructura y expresión musical.

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La tonalidad es un grupo de sonidos que forman un sistema y están regidos por una nota principal llamada tónica. La tonalidad se define en una pieza musical, a partir de la escala y acordes que se utilicen. Para poder averiguar la tonalidad debemos fijarnos en la armadura, que es el grupo de alteraciones que acompañan a la clave al principio de la pieza musical. La tonalidad de una obra indica la escala en la que está construida. Así, cuando decimos de una obra está en DO mayor, o LA menor, es que ha sido escrita en una escala que va de DO a DO o de LA a LA. Esto es un poco más complicado, pero en general las piezas en modo MAYOR generalmente son más "alegres" (relativamente) que las que están escritas en modo menor. Así, el Réquiem de Mozart está escrito en RE menor, y la 9ª sinfonía de Beethoven en la misma tonalidad, ya que el comienzo es muy dramático. Pronto se produce un cambio de tonalidad a MAYOR, en el himno a la alegría, por ejemplo. El acorde es un grupo de tres o más notas que suenan simultáneamente. En función a la distancia entre los sonidos que lo forman se clasifican en diferentes tipos: Mayores, menores, disminuidos, aumentados, de séptima, novena, sexta…Los acordes forman la base armónica de la pieza musical y están directamente relacionados con la melodía. El acorde es un conjunto de sonidos que suenan de forma simultánea. Los acordes se clasifican por el intervalo que se genera entre sus notas y se cuentan de abajo a arriba. El tipo de acorde más habitual es la tríada, que se construye con dos terceras consecutivas o una tercera y una quinta. LA FORMA MUSICAL Se llama forma musical a la manera de organizar o estructurar una pieza musical, que resulta del orden elegido por el compositor para presentar los distintos temas o ideas musicales que la integran. 38

Para crear una forma musical los compositores utilizan dos recursos básicos: la repetición y el contraste. - La repetición: de una idea musical, puede ser literal o presentar alguna variación con respecto a la idea original. La repetición ayuda a dar unidad a la obra musical (algunos temas pueden escucharse varias veces a la largo de una obra). - El contraste: para evitar que la música sea monótona, se utiliza el contraste, que es la presentación de una idea nueva que contrasta con lo ya escuchado. Partiendo de estos dos recursos básicos, podemos decir que las partes de una composición pueden estar relacionadas entre sí de varias maneras diferentes: o

La repetición exacta.

o

La variación: Es la repetición con ciertas modificaciones (ornamentación de la melodía, alteración de la armonía, cambios rítmicos, etc.) de un tema, parte o motivo. En cada variación siempre queda algunos aspectos esenciales para poderla identificar como repetición del original.

o

La imitación: Es la repetición de una estructura melódica, rítmica, armónica, etc., por una voz, instrumento o grupo distinto al que la interpretó.

o

El desarrollo: Es una transformación o elaboración de elementos de la parte inicial, (un fragmento melódico o rítmico, etc.), extraídos y combinados de manera diferente para crear una nueva parte, que puede tener algún rasgo reconocible o presentar nuevas ideas irreconocibles respecto del original. 39

o

El contraste: la nueva parte es completamente diferente de la precedente.

Estas relaciones constituyen la base de las formas musicales. Para diferenciar las diferentes partes que forman las estructuras musicales se utilizan las letras del abecedario, y en su mismo orden: A toda primera frase melódica se le denomina "a" por ser la primera, la frase siguiente, si es repetición de la anterior le corresponde la misma letra "a", si es una repetición con algún aspecto modificado se utiliza la misma letra con algún signo que identifique la variación " a' ". Si la frase siguiente es nueva se la identifica con la siguiente letra, es decir la "b". Para identificar las repeticiones de las partes se utilizan los signos de repetición,||:a b:|| es igual que a b a b, a:||b c es igual que a a b c. Cuando unidades menores se estructuran en otras unidades mayores, éstas se identifican con el mismo método pero con letras mayúsculas. Tipos de forma musical 1.- Formas basadas en la repetición por secciones Forma primaria Es la forma más simple de estructura musical. Son las que están constituidas por una sola frase aunque ésta se repita varias veces (cambia la estrofa, no la melodía - forma estrófica), A A A. En esta forma -como en cualquier otra-, la Introducción y la Coda son facultativas.

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Forma binaria Está dividida en dos secciones: si se trata del tipo A A, la segunda sección no puede ser la repetición exacta de la primera, ya que entonces resultaría del tipo primario, son pues indispensables algún tipo de modificación A'. Si es del tipo A B, habitualmente la primera tendrá final suspensivo y la segunda final conclusivo.

Con frecuencia, ambas secciones se repiten: AABB, estas repeticiones no alteran la forma binaria básica de la pieza.

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A |a a'|

B |b b'|

Forma ternaria Es la que está estructurada en tres partes con todas las combinaciones posibles: A B A, A A B, A B B, y A B C. Una de las formas más usadas por los compositores, es la que presenta la siguiente estructura: ABA’. En donde A sería el tema principal, B el tema contrastante, y A(’), la repetición literal o variada del tema principal. Una variante de la misma sería A A B A. "Ah, vous dirai-jes maman", canción popular sa.

Cuando una obra musical de estructura ternaria, presenta en cada una de sus tres secciones un diseño binario o ternario, estamos ante una forma musical llamada Minuet con trío:

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A

B

A

||:a:||:b a':||

||:c:||:d c':||

||a||b a'||

Rondó Es una forma en la que hay un tema principal que se repite y entre cada repetición hay un tema que contrasta con él: A B A B A o A B A C A.., etc. La repetición del tema principal, también llamado estribillo (ritornello) le da unidad a la obra y los temas contrastantes (episodios o estrofas), mantienen el interés del oyente. Formas musicales libres Son las expresiones musicales que no están sujetas a estructuras definidas ni predeterminadas. Algunas de estas formas son: preludio, intermedio y arabesco. El preludio, es una composición musical de corta duración que se ejecuta antes de presentar una obra de mayor importancia. También se le llama preludio a la práctica o ensayo que hacen los músicos y cantantes, antes de empezar a ejecutar una obra musical o efectuar un concierto. El intermedio se refiere a la ejecución musical que se efectúa en la mitad de una obra musical. Se presenta durante un periodo corto de tiempo y resulta agradable a los oyentes, puede darse durante una función teatral, mientras dura el intermedio y los escenógrafos cambian el decorado, y los intérpretes descansan la voz. Formas musicales organizadas Estas se refieren a la confluencia de letra y melodía de una canción. Hay canciones que constan de varias estrofas, la combinación de ellas y su

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melodía hace que las composiciones musicales se clasifiquen en: forma A, forma AB, forma ABA, y forma RONDÓ. Canta la siguiente melodía Los pollitos dicen Pío, Pío, Pío, Cuando tienen hambre Cuando tienen frío Su mamá les busca el maíz y el trigo les da su comida y les presta abrigo Bajo sus dos alas acurrucaditos duermen los pollitos hasta el otro día. Esta canción tiene dos estrofas, en cada estrofa se repite la misma melodía. Esta es un buen ejemplo de una canción con una melodía de forma "A". También tienen esta forma aquellas canciones que poseen una sola estrofa. Las formas "AB" son canciones formadas por dos partes (coro y estrofa), en las que la melodía de la primera (coro) es diferente a la melodía de la segunda (estrofa). Un ejemplo de esta forma es la canción que siempre se entona en los cumpleaños venezolanos. Otra forma musical son las agrupadas en la forma "ABA", estas constan de tres partes (coro - estrofa - coro) donde el coro se repite después de cada estrofa, conservando la misma melodía. Las estrofas por su parte tienen una melodía diferente, como por ejemplo, el Himno Nacional, el himno al árbol y otros. La forma "RONDÓ", se caracteriza por alternar un estribillo (expresión en verso) con varias estrofas que tienen música diferente por lo

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tanto la forma será ABACAD. Donde la parte "A" es el estribillo, tiene la misma letra, música y se repite después de cada estrofa. La parte BCD, son las estrofas las cuales llevan diferente letra y música. Este tipo de forma musical no es común, dada su configuración. Obras orquestales Cuando se trata de obras orquestales, se emplean formas de mayor complejidad, llamadas las grandes formas musicales y son el concierto y la sinfonía. El concierto es una ejecución musical interpretada por un cantante, (ejemplo: un cantante de rock); por un coro, (ejemplo: una coral); por un instrumentista, (ejemplo: un pianista o por una Orquesta, (ejemplo: una Orquesta Sinfónica. Antonio Vivaldi fue el músico que le dio forma definitiva a este tipo de composición musical. Este artista o compositor era un sacerdote católico, se destacó como violinista y fue también director de orquesta, maestro de coro y compositor de innumerables obras destacándose con sus conciertos, entre ellos "Las cuatro estaciones". Otros compositores de conciertos fueron: Wolfang Amadeus Mozart, Ludwig Van Beethoven y Nicolás Paganini entre otros. Venezuela cuenta también con grandes concertistas como: Evencio Castellanos (concierto en "LA" mayor para piano y orquesta) y Antonio Estéves (concierto para orquesta). Una Sinfonía es una composición instrumental escrita para orquesta sinfónica. El compositor Austríaco Joseph Haydn (siglo XVIII) ha sido considerado el "padre" de la sinfonía ya que compuso 100 en total. Mozart también se destacó en ellas, pero uno de los músicos más grandes de todos los tiempos sin duda ha sido Ludwing Van Beethoven (1770 - 1827), nacido en Bonn, Alemania.

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Beethoven comenzó a tocar piano desde la edad de cuatro años y dio su primer concierto cuando apenas contaba con ocho años. Su fama se extendió muy pronto y compuso numerosas obras de música de todos los géneros, con un lenguaje propio de poderosa originalidad. Entre sus obras se destacan las nueve sinfonías, donde expresa los grandes ideales de la humanidad: el heroísmo, la gloria, el amor a la creación, etc. En los últimos diez años de su vida lo aquejó una sordera incurable y progresiva que lo llevó a la soledad y la tristeza. Sin embargo, compuso su "Novena" y última Sinfonía que culmina con el famoso "Himno a la Alegría". Básicamente, cuando en música hablamos de "forma musical" o simplemente de "forma", estamos haciendo referencia a un tipo determinado de obra musical. En este sentido, una Sonata sería una forma y una Sinfonía otra diferente, por poner algunos ejemplos. Al hablar de forma musical, no podemos dejar de lado un concepto más amplio, dentro del cual caben los estilos y las formas: el género. El género de una obra musical hace referencia al espíritu de esa obra y así, podemos encontrarnos, entre otros:  música religiosa y música profana  música culta y música popular  música programática  música descriptiva  música dramática  música pura El estilo tiene que ver mucho con el compositor, pues esta característica es la que identifica la obra del creador como un producto suyo. Ello significa en términos elementales que entre más personalidad tenga la obra, ella es más auténtica y en caso contrario, a menor personalidad y originalidad el estilo decae haciendo de la obra algo mediocre y seguramente poco o nada original.

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Sin embargo, otra concepción del estilo va encaminada al contexto de la obra, o bien de la forma misma, y hace alusión a los procedimientos empleados, a los giros característicos y al discurso musical. No obstante, es el compositor quien se sirve de ese contexto, de esos procedimientos y de todos estos elementos para crear una obra con sello propio. De alguna manera, al hacer referencia a la forma, hacemos referencia a la estructura musical de una obra, aunque no se deben confundir estos dos conceptos: forma y estructura. La forma es algo más que una simple estructura musical: al elegir una forma musical determinada (una fuga, por ejemplo) el compositor ha querido expresarse de un determinado modo. Las formas musicales se pueden clasificar de la siguiente manera: 

Formas simples: son breves o constan de un solo movimiento (nocturno, rondó)



Formas complejas: son extensas y constan de varios movimientos (sinfonía, sonatas, concierto, suite, oratorio, ópera, etc.)



Formas vocales: intervienen en ellas la voz humana



Formas instrumentales: sólo intervienen en ellas instrumentos musicales



Formas libres: no tienen una estructura definida

Resulta obvio que en numerosos casos una obra puede pertenecer a más de uno de esos grupos: un aria es, al mismo tiempo, una forma simple y vocal; cabe destacar que dentro de las algunas formas musicales pueden haber otras formas, por ejemplo dentro de una ópera existen arias y recitativos.

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LAS FORMAS MUSICALES INSTRUMENTALES Dentro de las formas musicales, las hay eminentemente instrumentales (estructuras musicales que históricamente se concibieron con una finalidad instrumental) y otras que son propias de la música vocal. 

BALLET

El ballet comienza con una obertura y le sigue un recitativo en el que se salda al público y se hace alusión al contenido casi siempre heroico o alegórico. A continuación empieza el ballet propiamente dicho, una sucesión de escenas con diálogo, canto o danza. Cada escena se llama Entrée (aparición del protagonista). Una gran danza (Grand Ballet) con todos los participantes, incluido el publico cierra la obra. El Barroco exigía que en el ballet se presentara el virtuosismo y el arte de la danza. Al igual que en la ópera, también el nuevo espíritu de naturalidad lleva a una reforma en el ballet. Se pretende dramatizar el rígido ballet artístico al introducir una acción en la llamada pantomima de ballet, una obra de teatro sin palabras con temas apasionados. El ballet sigue siendo primordialmente una función de coreógrafos y bailarines 

EL CONCIERTO

Esta forma tiene su fundamento en la circunstancia de que diversos instrumentos (o agrupaciones de ellos), alternan su papel preponderante durante el transcurso de la obra, destacando unos u otros en determinados momentos y complementándose todos juntos en otros. Básicamente podemos distinguir entre tres clases conciertos: 

El concierto da chiesa (eminentemente vocal) perteneciente al género religioso (de hecho, da chiesa significa " de hecho iglesia ").

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Un acompañamiento instrumental dada respaldo a la voz. Su un origen se puedes fecha en la segunda mitad del siglo XVI. Su estructura se puede asimilar a la de la cantata. 

El concierto grosso, en el que dos grupos instrumentales (uno más pequeño llamado concertino y otro mucho mayor llamado ripieno o grosso, que es El conjunto orquestal, mantienen una especie de "enfrentamiento musical " en la que cada grupo parece intentar destacar en diversos momentos. Los conciertos de Brahms de Hamburgo (Juan Sebastián vacas) son una de las mejores muestras después que estilo.

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El concierto de solista. En él, un solista se en enfrenta a toda la orquesta. En esta aceptación del concierto, la parte solista suele hacer gala de un gran virtuosismo instrumental. Esto está así sobre todo a partir de los compositores del romanticismo, en que la forma concierto crece y se hace más sofisticada. El concierto solista asiduo cultivado por todos los grandes compositores y casi todos los instrumentos tienen escritos algún concierto para ese instrumento y orquesta.

En cuanto a la estructura de estas dos últimas clases de concierto, la toman de la sonata: El concierto grosso, de la sonata pre-clásica y el concierto para solista, de la sonata clásica con sus tres movimientos. 

LA FUGA

Si bien para los compositores actuales esta forma no es de un interés especial, lo cierto es que la fuga es una de las formas más importantes dentro de las estructuras musicales. Se basa fundamentalmente en el desarrollo de un único tema utilizando los más variados recursos del contrapunto.

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Nacida a mediados del siglo XVII, parece tener su origen en el antiguo ricercar y también en el canon. La diferencia con el canon es que en éste, un tema es imitado de manera casi idéntica en las otras voces. Aunque las fugas instrumentales son mucho más frecuentes, las fugas vocales también han tenido su importancia. Muy cultivada por los músicos del barroco, en el clasicismo va evolucionando hasta llegar a perder toda su preponderancia dentro del panorama de la composición en el romanticismo. La estructura básica de esta forma es como sigue: 

exposición: aparece el tema en las diversas voces.

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desarrollo: el tema aparece en diversos tonos (modulaciones) acompañado de diversos recursos contrapuntísticos. Una nota pedal anuncia la vuelta al tono inicial.

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stretto o estrecho: pequeños fragmentos del tema se suceden y van entrando en las diversas voces de una manera similar a como ocurriría en el canon.

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LA SERENATA

Es una forma compuesta y con una estructura similar a la suite, con varias piezas que componen la obra. Aunque también guarda analogías con la sinfonía, no pretende alcanzar la magnitud de esta, ni por su envergadura ni por sus necesidades orquestales. Esta forma musical que cayó en desuso en el siglo XIX, después de su gran importancia en el XVIII, volvió a ser bastante utilizada en los principios del siglo XX, por compositores de la talla de Stravinsky o Milhaud, entre otros.

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SINFONÍA

Se suele decir que la sinfonía es una "sonata escrita para orquesta". Es una composición de grandes proporciones que tiende a utilizar prácticamente todas las posibilidades de la orquesta. Su planteamiento suele ser similar al de la sonata, aunque en vez de los tres movimientos que normalmente tiene ésta, la sinfonía suele tener cuatro: un movimiento inicial más o menos rápido (allegro) seguido de un segundo movimiento más lento (adagio o andante). El tercer movimiento suele ser algo más rápido de nuevo (generalmente un minuetto) y el cuarto movimiento es mucho más rápido (presto o vivo). El hecho de que la orquesta puede generar multitud de timbres, da lugar a que cada uno de los movimientos resulte más largo, ya que los desarrollos pueden ser más extensos. Esto dio lugar a finales del siglo XIX a composiciones mastodónticas que necesitaban orquestas sinfónicas de grandes proporciones. 

LA SONATA

En cuanto que la cantata es una composición para ser "cantada", la sonata lo es para ser "sonada" o tocada. Es, pues, una forma instrumental. Está compuesta para pocos ejecutante, normalmente uno o dos, salvo excepciones. Conviene matizar que, por lo general, la sonata para un solo instrumento suele ser para piano, dada su capacidad de polifonía. Esta forma musical, una de las más importantes, procede de alguna manera de la suite. Poco a poco las danzas que componen la suite van perdiendo su personalidad en favor de la propia sonata: las danzas primigenias pierden su nombre y así, la Allemande se convierte en allegro, la Zarabanda en adagio y la Giga en presto. Fue durante el periodo clásico cuando, con Haydn, Mozart y Beethoven, la sonata adquirió toda su personalidad, siendo la estructura 51

base de la sinfonía y también del concierto. Se puede hablar de varios tipos de sonata, en atención a su evolución histórica: 

pre clásica (siglo XVII, muy similar a la suite, se puede considerar como un período experimental)

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clásica (siglo XVIII. Aparece el segundo tema. Estructura consolidada) ·Beethoviana (el tema es la piedra fundamental. El desarrollo de los temas A y B es de la mayor importancia)

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cíclica (una célula temática genera toda la composición, utilizando muchos recursos estilísticos)

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schoenbergiana (utiliza la serie, que luego desarrolla con los pertinentes recursos contrapuntísticos)

La estructura esencial del primer tiempo de la sonata clásica (el Allegro) es ésta: 1. Exposición de los temas a) Tema 1, en el tono principal b) Puente (modulación a la dominante) c) Tema 2, en el tono de la dominante d) Cadencia 2. Desarrollo. Los temas 1 y 2 son tratados de diversas formas para volver al tono principal. 3. Reexposición. a)Tema 1, en el tono principal b) Puente, que modula pero termina en el tono principal

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c) Tema 2 , también en el tono principal d) Cadencia, que termina igualmente en el tono principal. 

LA SUITE

La suite está compuesta por una serie de danzas o movimientos de danza. De alguna manera es de las primeras formas compuestas, ya que parece obvio que en los primeros intentos históricos por alcanzar estructuras musicales más complejas que las existentes hasta entonces (hablamos de la Edad Media), la manera más sencilla de conseguirlo era encadenando diversas danzas. Con Bach y Haendel adquirió una estandarización con cuatro danzas principales: allemande, courante, sarabande, gigue, precedida por una introducción denominada preludio u obertura.  Preludio: Introducción. A veces formado mediante la improvisación sobre un tema rítmico o melódico.  Allemande: Danza lenta de ritmo binario, de carácter expresivo y melódico.  Courante: De ritmo ternario, y carácter animado, suele contrastar notablemente con la anterior.  Sarabande: Danza lenta, majestuosa e imponente. Un componente infaltable de la suite barroca, con ritmo ternario, con stress o prolongación del segundo beat de cada compás. Curiosamente, no tiene relación alguna con la rápida danza con el mismo nombre, que las postrimerías del siglo XVI fuera prohibida por Felipe II de España por su carácter lascivo. Si bien estas cuatro danzas fueron las más importantes, con frecuencia se incluían algunas adicionales como Bourré, Gavotte, Minuet, y otras.

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Durante el siglo XVII adquiere una gran importancia y tanto en Italia como en Francia, Alemania e Inglaterra se cultiva enormemente. Posteriormente en Francia, con Couperin también alcanza gran esplendor. 

EL TIENTO

Es una pieza escrita para órgano, propia de la música española del siglo XVI. Es una forma relativamente libre que combina elementos diversos: imitación, diatonismo y cromatismo, ritmos diversos, elementos de improvisación, etc. Entre otros maestros, le dedicaron su atención Antonio de Cabezón, Correa de Arauxo y Juan Bautista Cabanilles. 

LA VARIACIÓN

Lo que en un principio era un recurso musical sencillo e intuitivo (utilizar un tema con transformaciones sucesivas, ya fueran de tipo melódico, rítmico u otro) llega a ser en ocasiones una forma musical con características propias. La variación, como recurso, es muy antigua. De hecho es un procedimiento casi evidente: un tema que se ha cantado o tocado con un instrumento, se vuelve a tocar de nuevo y, para hacerlo más ameno, se introduce algún cambio. Como forma, parece ser que ya en el siglo XVI los vihuelistas y tañedores de laúd ejecutaban frecuentemente los aires de danza con inclusión de variaciones. En España, aparte de los laudistas, los organistas también hacían uso de esta forma, dándoles el nombre de "diferencias" También los maestros del siglo XVII (Bach - "Variaciones Goldberg") y los del XVIII utilizan esta forma. En el siglo XVIII, en el periodo clásico, aparece la "variación sobre un tema" que a principios del XIX se utilizará mucho por los compositores. Posteriormente, incluido durante el siglo XX, esta forma siempre ha gozado de la atención de los creadores.

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Como hemos apuntado, la estructura de esta forma se reduce a la exposición de un tema durante un determinado número de veces, pero con diversas alteraciones en cada una de ellas, ya sea de tipo melódico, rítmico, armónico, etc. haciendo que, en algunos casos incluso, el tema llegue a ser difícilmente reconocible. 

SCHERZO

En italiano, broma o juego, en música, una composición instrumental rápida y vigorosa en compás ternario, generalmente el segundo o tercer movimiento de una obra larga, como una sonata, una sinfonía o un cuarteto de cuerdas. En la música instrumental y vocal del siglo XVII, el término scherzo se utilizaba como título para piezas ligeras de forma irregular. Por ejemplo, Claudio Monteverdi escribió dos conjuntos de piezas cortas (1607 y 1632) a las que llamó Scherzi musicali. El scherzo moderno tomó su estilo de Ludwig van Beethoven. Fue él quien desarrolló la forma como un sustituto del minué, que hasta 1800 solía ser el tercer movimiento de la sinfonía. El compositor austriaco Joseph Haydn ya había alterado el carácter propio del minué, convirtiéndolo en una danza campesina llena de espíritu y vida. La mayoría de los scherzos mantienen las líneas formales del minué, un término que persistió hasta la época de Beethoven. MÚSICA VENEZOLANA Varios estilos de música venezolana tradicional, como la salsa y merengue venezolano, son comunes a sus vecinos del Caribe. Quizás la más típica música venezolana es el joropo, una forma rural que se originó en los llanos o planicies. Gaita zuliana Otra música muy popular en Venezuela es la Gaita. Este género, originado en el estado Zulia, es muy popular durante la época navideña. La gaita, unida al aguinaldo, conforman la representación nacional de la

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navidad venezolana. Esta música folklórica es una de las principales en este país. JOROPO LLANERO El joropo, en la región de los llanos centro-occidentales, está conformado por dos especies conocidas como pasaje y golpe. Ambas formas musicales se ejecutan con cuatro, arpa y maracas. En ocasiones, el arpa puede ser sustituido por la bandola llanera. Actualmente, a esta instrumentación se suma el uso del bajo electrónico. El golpe, según explica Luis Felipe Ramón y Rivera, desde el punto de vista estructural "puede ser una melodía sencilla, de ocho a dieciséis compases, la cual se repite con mínimas variantes o sin ellas." Existen diferentes tipos de golpes llaneros, entre los que se encuentran: Seis corrido, Seis numerao, Seis por derecho, Seis perreao, Pajarillo, Catira, San Rafael, Quirpa, Carnaval, Chipola, etc. El pasaje, conocido también como pasaje apureño, es un canto narrativo que generalmente describe el paisaje del llano, relata anécdotas o hechos históricos, así como también se usa para el galanteo. Aunque, junto al golpe, el pasaje es uno de las especies fundamentales de la música del joropo, generalmente no es utilizado para acompañar el baile. Manifestación musical de los estados Apure, Barinas, Cojedes, Guárico, Portuguesa y parte centro-sur de Anzoátegui y Monagas. De la misma forma, el joropo llanero forma parte de la tradición folklórica de los departamentos del Vichada, Casanare, Meta y Arauca en la vecina Colombia. Este tipo de joropo ha sido el más difundido y exitoso comercialmente. Es interpretado con arpa, cuatro, maracas y bandola llanera (cuatro cuerdas). El Joropo llanero puede ser divido en pasaje y 56

golpe. Mientras el pasaje es un género más lírico, el golpe es un género mucho más recio y rápido. Mientras el golpe usa temas heroicos y patrióticos, el pasaje le canta al amor y al paisaje llanero. Entre los ejemplos de golpes llaneros se pueden citar: Pajarillo, Quirpa, Carnaval, "Seis por derecho", Quitapesares, Guacharaca, entre otros. Algunos pasajes famosos son "Fiesta en Elorza", "Traigo polvo del camino", "Romance en la lejanía", "Apure en un viaje", etc. Joropo central o Tuyero Joropo característico de los estados de Aragua y Miranda, y de la zona oriental de Carabobo y norte de Guárico (Venezuela). Mientras que el joropo llanero se entona con arpa o bandola llanera, cuatro y maracas, el Joropo central o Tuyero se entona con arpa, maracas y buche. Al mismo tiempo, mientras el arpa tuyera usa cuerdas métalicas y de nailon, en el arpa del joropo llanero todas las cuerdas son de nailon. Otro punto distintivo entre el Joropo tuyero y el llanero es el hecho que en el primero, el que canta es el mismo que ejecuta las maracas. La pieza más característica del folklore tuyero, "La revuelta tuyera", consta de cuatro secciones: La exposición (Pasaje), el desarrollo (Yaguaso y Guabina), la coda instrumental (llamada "Marisela") y un final conocido como "La llamada del mono". Los pasajes tuyeros más famosos son "El ermitaño" de Mario Díaz, "Amanecer tuyero" de Cipriano Moreno y Pablo Hidalgo y "El gato enmochilado" de Fulgencio Aquino. Joropo oriental Joropo característico de la region nor-oriental de Venezuela, específicamente de los estados Sucre, Nueva Esparta y Norte de Anzoategui y Monagas. En este particular tipo de joropo el instrumento melódico por excelencia es la mandolina o bandolín. No obstante, la bandola oriental (ocho cuerdas de nailon), el violín, la armónica y un pequeño acordeón llamado "cuereta" también tienen un papel primordial en el folklore musical oriental. El llamado "Joropo con estribillo" se 57

compone de dos secciones: la primera sección o "golpe" es tradicionalmente una melodía fija en ritmo 3/4 que es repetida dos o más veces; la segunda sección o "estribillo" es una melodía improvisada sobre un ciclo armónico fijo que está a ritmo 6/8. Cabe destacar que en el Joropo oriental, el cuatro y las maracas son ejecutados de una manera mucho más libre y compleja que en el resto de los joropos venezolanos. De la misma manera, es importante mencionar que la tradición musical de la región oriental de Venezuela posee muchas otras formas aparte del joropo oriental. Buenos ejemplos de esas otras formas musicales son: la Jota, la Malagueña, el Polo, Puntos (Llanto, Marinero y Cruzao), Galerón, Merengue y Diversión. Joropo guayanés Joropo resultado de la interacción de llaneros y orientales en el estado Bolívar, específicamente en Ciudad Bolivar. Es ejecutado con bandola guayanesa (ocho cuerdas metálicas), cuatro y maracas. "El seis guayanés", "la Josa" y "el rompe luto" resaltan entre los joropos guayaneses más famosos. Calipso venezolano o calipso de "El Callao" El calipso venezolano o calipso de "El Callao", cantado tradicionalmente en inglés, se hace a partir de una batería rítmica de percusión basada en el bumbac, acompañada de charrasca, campana o cencerro y cuatro venezolano. Comúnmente se adiciona teclado, bajo eléctrico, instrumentos de viento, voces masculinas y femeninas. Su peculiaridad es que usa como instrumento principal de percusión unos tambores metálicos, fabricados a partir de barriles de petróleo reciclados, llamados "steeldrums" o simplemente "tambores metálicos de Trinidad", muy usado en los carnavales trinitarios. Estos tambores se crearon por la necesidad de percutir que tenían los descendientes de los africanos en estas islas, y dado que no poseían ningún instrumento, 58

comenzaron a emplear los barriles, los cuales se fueron abollando y posteriormente estableciéndose alturas definidas, lo que haría que en el futuro el instrumento se pudiera templar con una escala cromática. "Golpe Tocuyano" o Joropo larense Joropo oriundo de la región centro-occidental de Venezuela, mayoritariamente de los estados Lara y Yaracuy. Es interpretado por una variedad de cordófonos (cuatro, medio cinco, cinco y seis), que junto con tambora y maracas producen una sonoridad única entre los joropos venezolanos. Famosos golpes tocuyanos son "Amalia Rosa", Montilla, "Gavilán tocuyano" y "A mundo Barquisimeto". Merengue rucaneao o Merengue venezolano Completamente diferente de su homónimo dominicano, esta forma musical tuvo su mayor auge entre 1920 y 1940. Al principio, esta música fue relacionada a los mabiles, lugares estrictamente destinados a la bebida y el baile. También fue por muchos años la música con la que se celebraban los carnavales en Caracas. Después de los años 1940, este estilo musical cayo en desuso. No obstante, gracias a la contribución de compositores y músicos de la talla de Luís Laguna, Pablo Camacaro, Cristóbal Soto, Adelys Freites, Cecilia Todd, Lilia Vera, Simón Díaz, Ensamble Gurrufío, El Cuarteto, Gualberto Ibarreto, Los Cañoneros y Los Antaños del Stadium, el merengue venezolano ha recobrado su merecido espacio en la escena musical venezolana durante los últimos treinta años. Es importante mencionar que aunque el merengue venezolano ha sido históricamente relacionado a la ciudad capital, Caracas, la región oriental y centro-occidental también tienen al merengue entre uno de sus géneros de música tradicional folklórica. Su instrumentación puede consistir en cuatro, rallo, maracas, mandolina, guitarra, clarinete, flauta, trombón, trompeta, saxofón y batería. Aún cuando ha existido una histórica controversia acerca de cuál es la verdadera medida rítmica del merengue venezolano, se puede concluir que existen tres tipos de medidas asignadas para tal fin: Una forma binaria 59

en 2/4, otra en 6/8 y una última en 5/8, siendo ésta la favorita de los músicos y compositores de las últimas décadas. Bambuco andino Siendo típicamente andino (Estados Táchira, Mérida y Trujillo), este género musical se localiza también en los estados Zulia, Lara y Distrito Capital, encontrándose en éstos últimos bajo formas de melodías románticas. La sonoridad de la palabra "bambuco" evoca en la mente del oyente cierta cercanía con las melodías africanas. Sin embargo, la realidad es otra: El Bambuco es un ritmo acompasado y cadencioso que tiene su origen en España y América, específicamente en Colombia. Su profunda raigambre en el territorio neogranadino hace que el Bambuco trascienda las fronteras y se arraigue en el occidente venezolano, específicamente en los Andes y Zulia, donde sufre algunas modificaciones en los compases y estructura. Cabe destacar que en cada región adquiere un acento propio de la geografía y las tradiciones. A decir de algunos musicólogos, el Bambuco presenta ciertas analogías con las llamadas "habaneras", especialmente en los lánguidos matices del fraseo de sus versos. Sin embargo, mientras la versión cubana tiene un compas 3/4, el ritmo venezolano es 6/8 (semicorchea-corcheasemicorchea). Los especialistas recuerdan que las introducciones e interludios del Bambuco emulaban instrumentalmente los tríos de boleros que colmaron la escena en el siglo XX. Su estructura musical rompe con todos los cánones, al no estar limitada a cuatro tonos cíclicos. En cuanto al acompañamiento, en el Bambuco venezolano están presentes el piano, el bajo y la guitarra, teniendo una característica especial en la región andina donde se incorporan la mandolina, el violín, el tiple, el cuatro y la flauta. Los temas de inspiración son idílicos, nostálgicos y evocadores, con ciertos matices señoriales y hasta sublimes. 60

Música campesina La música campesina (también llamada "merengue campesino") es una expresión cultural de los andes venezolanos (Estados Mérida, Táchira, Trujillo y parte de Barinas). Este género se diferencia de la música llanera en que el güiro sustituye a las maracas y la guitarra remplaza al arpa. Tanto el cuatro como el bajo son utilizados en ambas manifestaciones. Alrededor de la década de 1970, el género se fue formando con las primeras agrupaciones y fue a través de las disqueras Divensa en Mérida, Potosí y Tamarindo que fue evolucionando y se fue dando a conocer. Hoy existe una cantidad interesante de agrupaciones representativas del género en su mayoría en el estado Mérida, la zona del Mocotíes y los pueblos del sur. Su instrumentación consiste tradicionalmente en requinto, guitarra, violín, cuatro venezolano y güiro.

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BILIOGRAFÍA

http://www.monografias.com/trabajos55/banda-ritmica/bandaritmica2.shtml http://es.wikipedia.org/wiki/Orquesta_sinf%C3%B3nica http://html.rincondelvago.com/conceptos-musicales.html http://www.juntadeandalucia.es/averroes/~41009019/musica/la_forma_mus ical.htm http://www.rena.edu.ve/SegundaEtapa/ESTETICA/fartesmusicales.html http://html.rincondelvago.com/formas-musicales.html http://www.sonidosdelfolklore.com.ve/generos_joropo_ll.html

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REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA MINISTERIO DE EDUCACIÓN SUPERIOR UNIVERSIDAD NACIONAL EXPERIMENTAL SIMÓN RODRÍGUEZ NÚCLEO- ZARAZA

Música y Artes Escénicas

INFORME FACILITADORA: Prof. Eliza Alcalá

Figuera P. María N. Hernández B. Anais Hernández B. Yoselin Motaban Mayra A. Birriel Milagro Nataly Fuenmar Jessica Pérez

C.I.: 8.801.331 C.I.: 19.488.235 C.I.: 18.407.793 C.I.: 18.407.793 C.I.: 20.252.151 C.I.:19.709.309 C.I.: 20.073.598

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ZARAZA, Diciembre de 2011

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